Amor, meu grande amor

Marcelo Camelo está apaixonado. E quem gosta da música do cara, ou acompanha o bestiário de fofocas que invadiu feito larva o dia a dia do brasileiro comum, sabe que a eleita é Mallu Magalhães, uma fofinha que canta músicas indie folks... fofinhas. E a moça parece ter feito muito bem ao barbudo que marcou o rock nacional dando inteiramente o sangue e a alma ao grande Los Hermanos. Mallu (Na foto em cena romântica com o amado) acendeu nele aquela chama exata, transformadora, que leva o nome de amor. Estar sendo devorado por esse fogo mágico que tudo molda gerou uma mudança na música de Camelo, afinou sua poética, afastou-o da imensa e sufocante melancolia que fez do seu álbum anterior, Sou(2008) um instransponível muro de pura e frio ensimesmamento. O amor esquentou o coração do artista que oferece ao público um álbum intimista, confessional, com uma carga de uma até então insuspeitada alegria e de instrumentação densa. Toque Dela(2011) tem o toque dela e toda uma consubstanciada paixão que ele carrega.

Ouça "Ôô":



O segundo álbum solo de Marcelo Camelo é todo esse seu momento de plenitude. Amor é um sentimento que não se basta e não se contem dentro do peito. Tomado por ele, o carioca, sensível como ele só, parece ter a necessidade de expô-lo, de compartilhá-lo. Tenta explorá-lo, decifrá-lo em canções intensas e repletas de achados poéticos. Amor é o tema comum a boa parte delas. Letras e melodias trilham caminhos de absoluta interação. Enamoradas, complementam-se harmônicas como se feitas uma para a outra. Como um casamento feliz, com o cheiro e a costura da eternidade. Inspirado, Camelo é capaz de construir espécies de hai-kais ultra-românticos, exemplo de trecho da lenta “Meu Amor é Teu”, na qual declara, como um Werther redivivo, “Meu amor é teu, mas dou-te mais uma vez”. Ou também de elaborar versos tão singelos, quanto criativos, exercitados na fantástica “Três Dias”, que já nasce clássica: “Se falta carinho, ninho/ Se tiver vontade, chama/Mas, se faltar a paz, Minas Gerais”. Ricas imagens poéticas a serviço de uma melodia pra lá de tocante.

Ouça a magnífica "Três Dias":



Muitos hão de achar que Toque Dela tem estrutura harmônica parecida. Impressão dos afobados. Diferentemente de Sou, que traz um minimalismo reforçado pela parca instrumentação e pela já comentada levada melancólica, o novo álbum impõe variações rítmicas que repetidas audições irão prazeirosamente revelar. É disco pra se degustar sorvido lentamente, como velhos e encorpados vinhos tintos. Daqueles esquecidos sabiamente em adegas seculares. Se composições como “Três Dias” e a também calminha “Tudo o que Você Quiser” remetem ao Camelo dos dias cinzentos, o restante revela um compositor que fez as pazes com a alegria e a serenidade. A sincopada “Acostumar”, por exemplo, tem uma leveza que nem a farta instrumentação usada consegue esconder. É melodia singela, frutada, uma das melhores do trabalho. “A Noite”, música de abertura, é outra que merece destaque. E aqui, Camelo já demonstra, de cara, que pretendeu vestir de gala suas ricas melodias. Intento conseguido por arranjos espertos e uma gama substancial de instrumentos.

Para dourar sua música, o ex Los Hermanos chamou a Hurtmold, banda paulista integrada por músicos talentosos e extremamente cultuados no underground. Vale dar uma passada pela discografia surpreendente e refinada desses caras. Eles são os responsáveis pelos metais e cordas que contribuíram para dar forma, ângulos inéditos ao espírito essencialmente solar e vivo de Toque Dela. Sax, trombones, guitarra, baixo “falam” alto, são atores ativo em arranjos que privilegiam a instrumentação. O instrumental chega mesmo a ser exagerado em alguns momentos, como na mais agitada de todas, a rocker, ou algo que se aproxime disso, “Pretinha”. Esta, uma canção ligeira com aura experimental, provocada por uma dissonância esquisita de guitarras e baterias, descompromissadas, intrigadas com a voz frágil de Camelo. Mas, no geral, a moçada do Hurtmold está a serviço do equilíbrio, baixando até o tom, quando necessário, como, por exemplo, no batuque e na simplicidade que fazem de “A Despedida”, composição que o público já conhecia na voz de Maria Rita, uma das mais diretas e saborosas faixas do álbum.

Toque Dela é desses álbuns de indiscutível coerência melódica, alcançada somente por quem entende do riscado. Marcelo Camelo resolveu ser mais assertivo e transparente. Canta o amor como raros, espanta soberano a solidão e entrega para os ouvintes um disco elegante, talvez até chato para alguns, principalmente para aqueles que não têm paciência de refinar a poética caudalosa proposta pelo músico carioca. Talvez você até encontre aqui e ali, em lampejos fugidios, ecos da banda que entronou camelo na história do rock nacional. Melhor mesmo é, fãs dos Hermanos, relaxar e absorver a entrega amorosa e cheia de significados que este trabalho traz. Tem que ter coração grande, aberto, para acompanhar essa obra. Ouça com cuidado. E mais uma vez ouça. É só sentir e se deixar levar. A recompensa vai vir no final.

Cotação: 5

Entenda todo o amor de Camelo:

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Voando alto

Aquilo que antes era apenas uma penugem transmudou-se em penas fortes, lustrosas. Cada vez mais longe do ninho e afoita, aventureira em busca de novos horizontes, ela sabe que existe um grande e inescrutável espaço a conquistar. Mundo vasto mundo, se ela se chamasse Maria, que rima o poeta faria? Mais segura, Tiê, a cantora paulistana com nome de pássaro, alça agora vôos mais longos, definitivos. O segundo álbum está aí para provar que a promessa de uma artista de personalidade forte se confirma concretamente. Ponto para essa moça talentosa que chegou assim pianinho, passarinhando suavemente, e, sem mais avisar, como uma fera sorrateira, se agiganta diante da gente. A Coruja e o Coração(2011) é trabalho cuidadoso, pequena jóia barroca, feito para firmar Tiê nesse universo restrito de artistas brasileiros com assinatura e brilho próprios.

Veja o clipe de "Na Varanda da Liz”:



Há dois anos, Tiê entregou de forma independente um CD tão confessional e cheio de lirismo que logo chamou a atenção da crítica especializada. Poucos acompanharam os primeiros passos da artista que exibia uma sonoridade que logo tacharam de neo folk, ou algo parecido. Porque íntimo, acústico, econômico, feito daquelas palpáveis tristeza e doçura que caracterizam o gênero. Sweet Jardim(2009), que me inspirou uma resenha aqui mesmo no meu insensato blog, era diferente, não seguia as tendências da música brasileira. Meio assim deslocado com sua abusada simplicidade e sinceridade. Tanto que, por ser rara, a artista logo foi colocada no balaio do que recentemente denominaram de “Novos Paulistas”. Mania essa da imprensa de criar grupelhos, imaginários movimentos musicais, levada pelo surgimento de talentos contemporâneos, a exemplo dos conterrâneos Tulipa Ruiz,Thiago Pethit e Marcelo Jeneci, autores de discos incandescentes e marcantes em 2010.

Faça o download e ouça “Só Sei Dançar com Você”:

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No mesmo ano do lançamento de Sweet Jardim fui assistir a um show de Tiê num pequeno e abafado pub em Brasília. A primeira apresentação dela na capital. Bem no gargarejo, premiado pelo desconhecimento do brasiliense daquela moça postada ali, cheia de dedos, num diminuto e improvisado palco. Só ela e violão. Confirmei ali minha impressão de que aquela dona tinha algo de especial, encantatório. A mesma vozinha miúda que ouvia no headphone embalando aquelas canções tão delicadas. Fiz questão, numa desavergonhada ti(ê)tagem, algo que quase nunca faço, de comprar o CD e pedir que a baixinha autografasse. A Coruja e o Coração só reforça o encantamento. Gosto dos passos dados adiante sem que se perca o DNA, de quem não se acomoda e mapeia novos territórios com aquela típica sede do conquistador. Esse álbum tem um pouco disso, amparado pelo contrato da artista com a blockbuster Warner.

A ligação com a Warner, e muitas vezes isso acontece, não desfigurou o som e o canto de Tiê. Parece apenas ter lhe dado mais munição para produzir um trabalho mais encorpado, com recursos técnicos e instrumentais que a falta de verba não lhe proporcionara antes. A compositora e o aclamado produtor Plínio Profeta, que a acompanha desde Sweet Jardim, puderam contar com o auxílio de afinados músicos e a presença de um bom punhado de convidados. E esse é um dos diferenciais mais notados em relação ao primeiro álbum. Percussão, cordas, metais surgem inteiros nos belos arranjos da nova investida da paulista. E isso é percebido fortemente na música de abertura, “Na Varanda da Liz”, composta para a filha, embalada por muitos e intensos instrumentos que quase fazem a voz da cantora sumir. Aquela levada acústica que ganhou mentes e corações só aparecem nas lindas e mais cools, “Piscar o Olho” e “Te Mereço" e seu piano ensimesmado, que poderiam fazer parte naturalmente do primeiro CD.

Mas, o uso farto dos instrumentos serve apenas para amplificar a poética de Tiê. Tudo continua intimista e confessional como antes. A balada “Perto e Distante”, com a participação do uruguaio Jorge Drexler e um sax cortante, traz letra de diário que sensibiliza até os mais brucutus. “Quem garante que o que você é é o que o outro enxerga?”, filosofa a cantora nessa composição densa. Os ricos arranjos e todos os músicos contribuem ainda para adicionar a A Coruja e o Coração um elemento invisível no trabalho anterior, o pop. A já citada e radiofônica “Na Varanda da Liz”, talvez a mais radiofônica de todas, e as ótimas “Pra Alegrar o meu Dia” e “Hide and Seek”, essas com levada country, graças ao bandolim de Profeta, são assim: alegres, solares e prontinhas para seduzir um público, diríamos, menos exigente. Tem até uma versão flamenca e alienígena do forró “Você não Vale Nada”, que foi tema de novela das oito na Globo.

E tem ainda, em contraponto ao visceral e divertido forró de Dorgival Dantas, as versões das matadoras “Só sei dançar com Você”, de Tulipa Ruiz, e “Mapa Mundi”, de Thiago Pethit, que, se não acrescentam muito às originais, são conduzidas com brio e leveza. As duas contando com a participação daqueles “novos paulistas”, autores incensados e criadores iluminados. Para fechar essa alongada resenha, diria que, no frigir dos ovos, A Coruja e o Coração é um disco generoso, convincente, de vivo aconchego. Obra madura de uma artista veio para ficar. Avoé, Tié.

Cotação: 5

Voe com Tiê:

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Onze brasileirinhos

Os Estados Unidos são aqui? A morte e a tragédia se manifestam sempre vis e eloqüentes. Calam o cidadão, calam a gente. Calam um país. De que matéria é feita esses fatos que acordam nossa indignação e nos deixam tartamudos e nos fazem pensar, espantados, de que matéria somos feitos? O que leva alguém a entrar numa escola repleta de crianças, “brasileirinhos”, como os chamou a presidente Dilma, cheios de vida e planos e atirar contra eles? A tragédia no Rio, numa escola do Realengo, que aconteceu nesta quinta estranha é um soco no estômago. Uma lição de como estamos expostos a nossa loucura, a uma realidade cada vez mais parecida com uma fita de cinema. E, pessoas comuns, atores desavisados dessa doído filme cotidiano, viram manchetes incômodas, espelhos do que pode acontecer a todos.

Somos os Estados Unidos que testemunharam tragédias parecidas? Parecíamos tão longe disso tudo. Já não estamos agora. Podemos até ser mais afáveis que os norte-americanos, traço sempre realçado de nossa alegre personalidade, mas somos loucos do mesmo jeito. Morreram onze brasileirinhos. Com nomes, famílias, carrinhos coloridos, bonecas despenteadas, amigos, com pouca idade e tanta coisa pra fazer. Tanta coisa. Morremos um pouco todos nós, brasileiros e brasileirinhos, e também morre um pouco nossa santa ingenuidade. As tragédias não medem choro e perplexidade. São tsunamis em nossas entranhas que devastam um pouco de nossa já combalida humanidade. E toda essa inquietante tristeza que ela causa faz com que reflitamos sobre o que o tempo e uma moral sempre em cheque faz com nossa alma.

Perdemos onze brasileirinhos. Com dentes esbaldando sorrisos, com línguas aprendendo o vocabulário, com olhos abraçando o mundo, com pés miúdos aprendendo a dar passos largos. Perdemos tudo isso. Só não podemos perder a capacidade de transformar essa tragédia na promessa de que nunca vamos nos conformar com isso, nunca vamos deixar que isso pareça banal. Porque para cada louco que atira contra a humanidade, contra ser humano, tem que haver um milhão de pessoas prontas para defendê-la. Choremos e sejamos humanos. E vamos rezar também para que esta quinta-feira estranha tenha sido apenas um tropeço estúpido na história de nosso país rumo a uma arquitetura da paz. Aqueles brasileirinhos que, injustamente, não vivem mais entre nós merecem.

Além da naftalina

Os fãs costumam ser superlativos quando falam do barba grande Sam Beam. A superlatividade é um pecado daqueles cegos pela paixão. Pecado substantivo. Esses cometem excessos que o desconfiado, franzindo o cenho, sempre passa pelo pente fino da razão. E é bom que a humanidade seja sim, feita de apaixonados intensos e devotados cartesianos. Nesse caso específico, melhor mesmo é abrir bem os ouvidos para tirar a prova dos nove. Exageros a parte, temos um artista sensível que criou culto, sua igreja própria povoada por um tanto de pessoas que amam a poesia, a melancolia e melodias bem acabadas. Sam Beam e seu Iron & Wine são assim, amados radicalmente. Espécies de franciscanos, doutores em ética que conquistaram discípulos por uma certa ingenuidade musical, típica da folk music, e um ranço podiscrê, reforçado pelo visual barbudo, que caracterizaram seus três primeiros discos. Agora, o cara quer mudar um pouco essa história com Kiss Each Other Clean(2011).

Antes, o Iron & Wine era Beam e toda sua tristeza infinita em dois discos, The Creek Drank The Cradle (2002) e Our Endless Numbered Days (2004), com essência folk que cativou os de corações generosos. Tanta poesia e dor foram arrefecidas um pouco no elogiadíssimo e melhor dos três, The Shepherd's Dog(2007), o meu preferido. Aqui, a alegria deu o ar da graça. Sim, havia réstias de sol no mundinho intimista da banda. Em Kiss Each Other Clean, Mr. Beam se aproxima do universo pop de quem, além de se sensibilizar com harmonias barrocas, gosta também de bater o pezinho, de sentir a pulsação dos instrumentos que inspiram a dança. Calma, o disco não foi feito para as pistas, mas tem uma levada até então estranha ao grupo, harmonias mais dançantes e que revelam o interesse de seu mentor de alcançar um público menos cult. E talvez por trás disso há o fato de que agora o barbudo trocou o cool Sub Pop por um selo, digamos assim, mais capitalista, a Warner.

Tudo bem que o novo disco traga, cerzidos com linha forte, os elementos mais caros ao folk, as melodias com ricas harmonias, percussão cuidadosa e os corinhos casados com a voz principal. Tem um pouco do velho Beam do início de carreira em baladas trabalhadas com esmero para reconfortar espíritos carentes. São os casos da linda “Godless Brother in Love”, canção curtida na simplicidade do arranjo, com belos piano e violão servindo deliciosamente de base para uma delicada melodia, e a quase country “Half Moon”, com sua letra invernal e um coro feminino fazendo contraponto preciso à voz bonita e segura de Sam Beam. Mas, esses dois bons momentos de Kiss Each Other Clean não representam o que o trabalho tem realmente de mais emblemático e marcante, além dos já citados coros, presentes na maior parte das composições: a farta instrumentação, realçada por arranjos refinados e elaboradíssimos, e uma explícita pendência para o pop.

O pop de Iron & Wine não é da mesma matéria daquele fabricado a granel por gente como Michael Jackson e Steve Wonder. Desses dois, aliás, herda um certo suingue negro, vindo do soul e do funk, que tem similitude em outro branquelo, o bacana Dave Mathews. É mais cabeça, mais intelectualizado, som cheio de filigranas que demonstram que o grupo é amante da sofisticação. O ataque de metais vibrante é, por exemplo, um dos grandes baratos de “Big Burned Hand”, com seus momentos jazzy, acentuado principalmente pelo sax sensual e improvisos instrumentais. O diálogo de metais e corda também faz a diferença na soberba “Your Fake Name Is Good Enough for Me”, com uma melodia, no início mais acelerada, que se revela inteira e sedutora quando a música diminui o ritmo e se desnuda para o ouvinte. São sete minutos de sonzeira nos quais fica evidenciado ainda o arranjo preciosista da composição e a voz de Bean que, dobrada, nos faz viajar aos tempos áureas do folk de Simon e Garfunkel. Quem lembra?

Ouça "Your Fake Name is Goof Enough for Me":

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Nos dois exemplos do parágrafo anterior divisamos uma banda mais aberta para a possibilidade dos instrumentos. Flautas, percussão, metais, cordas, gaitas, eles estão em Iron & Wine muito mais vivos agora. E nas maos de uma trupe eficiente. Todos à disposição de uma farra elegante, da alma mais leve de uma galera e de um grande autor que encontraram sentido em satisfazer o lado mais leviano, desapegado, dos que gostam de música sem preconceito. Ouça “Tree by The River” e me diga depois se a concessão, mínima, tudo bem, à eletrônica é ou não um sinal de que os caras querem extrapolar fronteiras. Francamente desenvoltos, eles querem mais fãs. E isso não faz a música deles pior. Dez anos de carreira mudaram o modo do Iron & Wine encarar o mundo. E Kiss Each Other Clean, um disco acima da média e de capa deslumbrante, é bem a medida dessa pretensão.

Cotação: 3

Conte com a sorte, que o xerif web está mal humorado.Download aqui:

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Ouça sessão livre com “Walking from Home”:

Jeitão de esboço

Eles têm uma musicalidade levemente esquisita, temperada com o ecletismo comum daqueles que mantêm os ouvidos escancarados para a viva produção global. Um biscoito fino com recheio insuspeitado. Prontinho para ser mordido e saboreado. Uma francesa, Olivia Merilahti, e um finlandês, Dan Levy, juntos numa banda chamada The Dø. Parêntese: Esse ø estrambøtico formata a pronúncia da palavra, que vira, assim, The “Dou”. Fecha parêntese. O duo binacional afina sua sensibilidade para botar na prateleira de música alternativa o interessante Both Ways Open Jaws(2011), o segundinho da carreira. Escrevendo isso, rio internamente porque sempre que a gente define algo como “interessante” é porque não encontramos um adjetivo que qualifique mais virilmente a coisa. Dessas expressões bambas e imprecisas que cobram explicações.

Veja o vídeo de “Slippery Sloope”:



A imprecisão do “interessante” é provocada e aí, meu caríssimo leitor, vem minha única explicação, pela salada sonora que The Dø nos oferece. Estamos aqui no terreno do inclassificável, exercício ao qual a tribo indie norte-americanos e a européia, mais culta e melhor informada, está bem acostumada. Não consigo rotular que tipo de som o duo pratica. É possível sacar de Both Ways Open Jaws essa mistura rítmica que faz o álbum parecer a uma colcha colorida de fuxico, esse artesanato tão comum a nós brasileiros. Tem eletrônica, world music, experimentações, country music, roquenrou em doses esparsas, estilos que fazem com que possamos ler o disco como um livro de contos. É como se cada faixa fosse uma história diferente. E isso faz a delícia e traz os maiores riscos à obra. Porque nem todas as “histórias” desse “livro” são bem resolvidas. Nem todas têm, infelizmente, final feliz.

Escute “Gonna be Sick!”:



Se, por exemplo, me concentrando mais nas faixas do álbum, o lado indie folk, em sua vertente mais onírica, tem ótimos resultados, como na envolvente “Dust it Off”, na qual a voz aguda e correta de Olivia defende bravamente a doce e bem construída melodia, bobagem, na mesma linha musical, como “Leo Leo” vai em direção contrária. É sedativo forte de efeito imediato. Melhor pular para a próxima música. Se, a melhor do CD, “Gonna Be Sick!”, composição com levada mais rocker e vibrante, engata bem, e muito bem, em nossos neurônios, “b.w.o.j” , letras iniciais do título do disco, fica entalada na garganta com sua mistura insossa de eletrônica, experimentalismo oco e batidas que remetem a tambores tribais. Quis o deus da música, em sua infinita sabedoria, que essa música transcorresse em pouco mais de um minuto, salvando nossos tímpanos dessa derrapada.

Temos mais algumas histórias de acertos nessa variada obra do Dou. “Slippey Slope” é descaradamente um decalque da batida forte, roots de M.I.A, a rapper londrina que conquistou a crítica do mundo inteiro com sua música engajada e provocativa. Boa música, ainda assim. Mexe com o corpo, inspira os músculos das pernas. Olivia e Levy aprenderam bem a lição de veia africana vinda daquela moça. A objetiva e transparente “Too Insistent” lembra, com sua guitarra displicente, o rock descolado das bandas independentes que fizeram a alegria da galera nos anos 90 do século passado, como “Pavement” e “Guided by Voices”. A baladinha pouco inspirada, ainda que suavizada pela voz de Olivia, “Was it a Dream” e “The Calendar”, uma espécie de country baleado de morte por uma bateria minimalista, depõem contra e provam que, apesar das boas intenções, o álbum dá sérias engasgadas.

Imagina você com um belo e cobiçado carro que, saído de fábrica, apresenta alguns probleminhas irritantes. Sinto que Both Ways Open Jaws vai por aí. A crítica argumenta que houve um salto significativo desse para a estréia, A Mouthful(2008), trabalho que, admito, falha minha, ainda não escutei. Fica claro que The Dø tem um potencial incrível para fazer canções memoráveis. Dan Levy, também ficou provado, é um arranjador e instrumentista valoroso. E Olívia Merilahti é uma cantora de voz marcante, característica realçada num trabalho que abre generosamente espaço para que ela brilhe. Mas, fica a sensação de que faltou explosão no disco, como se os dois tivessem represado sua força. Como um esboço para uma obra mais contundente que virá no futuro. E, acredito, virá.

Cotação: 3

Vai que dá:

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ou

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Pra sempre, Edward

Para ler ouvindo "Deus e o Diabo no Liquidificador", da banda Cérebro Eletrônico:



Tudo muito cinza, escuro. O ar sempre enevoado embaçando a minha vista, turvando os objetos e uma noite, longa noite, que parecia não ter fim, absurdamente ao meu redor. O mundo lá fora seria uma noite sem fim? Saudade de meu pai, de seu riso aberto, de meu pai com sua roupa branca no meio de sua casa negra. Seu castelo, nosso castelo de coisas enevoadas, vestido de teias e musgos, decorado de tubo de ensaios ensebados, esquecidos nos cantos. Homem engraçado meu pai. Ele me deu longas e afiadas tesouras ao invés de mãos. Não esqueço, ele me admoestava sempre: "seus dedos cortantes quando se mexem cortam". E me deixou a dor, o peito dilacerado quando, caído no chão, me fitou com olhos duros, secos, sem o reflexo de mim. Nunca mais meu rosto pálido nele, nos olhos dele. Depois disso meu pai nunca mais falou comigo, nunca mais ensinou palavras cheias de letras e sons. Depois disso, nunca mais ele. Mas, vejo meu pai todas as vezes que abro os olhos.

Meu nome é Edward. Pelo menos era assim que ele me chamava com uma voz mansa, como se ao chamar meu nome, grudasse à palavra algo a mais. Algo que não podia mensurar. Algo que me fazia bem. Um calor no peito na hora, como se meu nome dito por ele fosse um manto cálido a me cobrir, a me proteger do tempo sibilante que deixava tudo branco lá fora. A me proteger de algo que ele nunca ousou descrever pra mim. E esse algo era gigante e morava além do castelo negro que me encobria. Seria o mundo todo um grande castelo negro? Passava manhãs, tardes e noites usando minhas mãos para lembrar meu pai. Scissorhands. Eu sozinho no assoalho frio achando que tudo o mais não passava de mim sozinho. Meu presente era eu só. Meu futuro era eu só. Quem era eu nesse mundo sozinho? Até que um dia ouvi uma outra voz, diferente a de meu pai, fina e melodiosa. E eu nem imaginava, na minha sã inocência, que aquela voz mudaria toda a minha vida.

Corte. Segue o filme.

Aquela cena descrita lá atrás, antes do corte abrupto, é uma leitura livre de uma das cenas iniciais de um longa-metragem inesquecível. Tim Burton nunca mais faria algo parecido. Vinte anos depois, a fábula do jovem frankenstein amado e depois açoitado por uma sociedade cruel mantém seu frescor e magia. É assim com os clássicos. Eles vencem os dias, as décadas, incólumes às erosões e ferrugem que o tempo costuma provocar. Sem perder sua modernidade e vigor. O filme, que marcou a vida de muita gente nos anos 90, está sendo homenageado em uma bela exposição nos Estados Unidos. De 40 ilustradores, aqueles mesmos que, como eu, se encantaram com uma equilibrada mistura de poesia e horror. Edward Mãos de Tesoura(1990), a fita, é uma obra prima deliciosa, dessas que grudam na parede da memória.

Pra quem não viu, ta aí o trailer do filme:



Edward foi criado em laboratório por um cientista solitário, vivido por um fantástico Vincent Price em fim de carreira, humanizado e cativante. Surpreendente. Diferente de todos os monstros e personagens tenebrosos que marcaram sua cinegrafia. O cientista queria um filho para compartilhar sua solidão, alguém para conversar. Não conseguiu viver para ver a obra cumprir seu fim. Orfão e assustado, Edward é encontrado por uma vendedora da Avon, dessas que se multiplicaram pelo mundo afora, cheias de simpatia, em meados do século XX. A partir daqui entra em contato com um outro mundo, o dos seres humanos inconstantes e desconfiados, nosso louco mundo. Aí vem a perda da inocência junto com a paixão e a incompreensão. E aí vem o resto do filme, que prefiro deixar em aberto, para que você que está lendo essa resenha se interesse, talvez, em assistí-lo.

Garanto, do alto de minha mais inteira humildade: ver ou rever Edward Scissorhands é sempre um prazer. Tá lá o cineasta das esquisitices, Tim Burton, fazendo sua obra mais pop e intensa. Tá lá Johnny Deep mostrando todo o talento que o faria um dos atores mais cools e bacanas de holywood. Tá lá Winona Ryder linda, radiante, como o par romântico de Edward, despertando fantasias nos homens. E a palpável química dos dois envolvendo todos os 24 quadros por segundo do filme. Tem a cenografia dark, o humor negro, o figurino punk do personagem principal e o colorido contrastante de uma provinciana cidade norte-americana com todos seus habitantes provincianos e tão frivolamente norte-americanos. Enfim, todos os elementos que fizeram com que esse bacanéssimo filme ganhasse, 20 anos depois, a homenagem de talentosos ilustradores que colorem as paredes da Gallery Nucleus, na Califórnia. Eu não fui a Nucleus, mas pesquei na internet algumas das obras, que trato, com muito carinho, de reproduzir aqui. Para ver mais, vá em: http://scissorhands20th.blogspot.com/

Cotação: 5

Herói de todos nós

Tinha 79 anos. Parecia menos. Com a cara boa daquele avô de fábula de cinema que todos nós gostaríamos de ter. De riso fácil quase sempre e, aqui e ali, imbuído de austeridade. Só quando a situação obrigava. Pelo menos parecia assim nos momentos em que as câmeras de TV pescavam-no em movimentos eternamente serenos, quase em câmera lenta. Acho que idade e um tanto de sabedoria. Talvez isso explicasse. Mas, quem tinha assim tantas décadas nas costas, devia mesmo ser amigo, até mesmo íntimo, da sabedoria. Gostava dele, assim, acredito, como a maioria dos brasileiros tinha simpatia por aquele velhinho, mineirinho que só, que teve participação discreta no governo brasileiro. Companheiro do companheiro Lula, ex-presidente que bem poderia envelhecer do jeito companheiro daquele homem que foi-se que nem passarinho,rememorando Mário Quintana, passarinhando.

Faço nesse momento, comovido pela notícia que chegou a alguns instantes, um esforço de memória, um exercício carinhoso a respeito desse homem a partir da questão fria e crua: como é que eu gostaria de lembrar dele? Acho que não lembraria como o empresário, homem de sucesso nos negócios, condição que o levou ao alto cargo público assumido sem estardalhaço. E esses são tantos. Não lembraria como o homem que desconheço, aquele que a minha ignorância sobre seu passado esconde sob muitos e muitos véus. Que fique no mistério e esquecimento. Não lembraria como o cavaleiro solitário lutando quixotescamente, nos hiatos que o poder lhe dava, a favor da redução dos juros que imobilizava nossa economia. Era dever da ingrata função. Não lembraria do velho já meio esqualido, castigado pelo câncer, tantas e incontáveis vezes levado aos panos frios de uma maca de hospitais,dissecado pelas máquinas, ruminado por medicamentos. Memórias melhores hão sobre ele.

Acho que lembraria daquele velho de cara boa nos seu momentos de bom humor. Imenso bom humor congelado agora em minha memória. "O bom escoteiro ri até nas adversidades", disse ele cheio de dentes num programa de TV, um pouco depois de uma daquelas vezes que passou dias no hospital enganando o câncer e a morte. Velho e bom escoteiro. Lembraria dele demonstrando uma positividade e uma alegria inacreditável, imensurável, diante de sua frágil condição de saúde. Lembro dele herói de todos nós nessa mesma guerra santa contra o câncer. Vontade imperturbável e exemplar de seguir em frente, se desviando dos males como se levitando estivesse. Nosso velho ninja. Lembraria dele cantando o hino de seu clube de futebol naquela mesma entrevista na TV citada nesse parágrafo, o desconhecido Nacional de Muriaé, e socando o ar com sua mão ao final da música como um torcedor cheio de vitalidade. Como um menino. Lembraria dele como um menino.

José Alencar morreu, menino, nessa tarde do dia 29 de março de 2011. O drible na morte dessa vez não deu certo. Almas boas deixam saudade. Com saudades já estou.

Viciados em alegria

“Mulher, dance comigo esta noite”. O convite feito nos primeiros segundos da faixa que abre Olindance(2011), segundo CD do coletivo pernambucano Academia da Berlinda, é um ultimato. Mesmo aqueles que não têm samba no pé dificilmente vão resistir a metralhadora irresistível de ritmos que vem na seqüência. Sete malucos de Olinda investem pesado, sem dó nem piedade, na mistura de sons afro-latinos, como a cumbia, a guitarrada paraense, o bugaloo colombiano, o côco, o frevo, a rumba, e dão algumas bebericadas no rock, para produzir um álbum buliçoso, que cativa pela luxúria e pluralidade. É musica para bailinhos, bailes e bailões. Para quem nitidamente assume essa nossa apaixonada alma latina, irremediavelmente viciada em alegria.

Ouça Praia do L:



Olindance é fruto de um apanhado musical centrado na América abaixo da linha do equador. São ritmos que naturalmente provocam calor e que, devidamente misturados por artistas antenados e contemporâneos, ganham novo espectro, nova pulsação. Esses caras fazem parte de bandas que extrapolaram as fronteiras de Pernambuco, a terra natal, como Eddie, Orquestra Contemporânea de Olinda e Mundo Livre S.A. O combo só tem figuras de respeito e responsa. Sente só: Alexandre Urêa(voz, timbales), Tiné(voz,pandeiro, maraca), Yuri Rabid(baixo e voz), Gabriel Melo(guitarra), Hugo Gila(microKorg), Irandê César(bateria e percussão) e Tom Rocha(percussão e pateria) E o que se sente é uma entrega natural dessa galerada às sonoridades latinas, sem qualquer pecha acadêmica, longe de didatismo, do resgate cru e tradicional daquelas ricas musicalidades.

E é essa veia popular, essência de todos os ritmos latinos colocados na roda e mantida aqui com toda sua soberania, o que mais contagia no segundo álbum do Academia da Berlinda. A começar pela adrenalinada “Bem Melhor”, com suas congas, guitarra fervilhante e teclado minimalista escancarando com urgência as portas da pista de dança. E elas não se fecham em momento algum do CD. Pronto, salão cheio, pés teimosos e insubmissos, melhor mesmo é se render rogado à turbulência de canções como a manhosa “Lua”, essa cumbia casada fervorosamente com o carimbó, mas que se permite uma escapadela com um rock santaniano, e as deliciosas “Lágrimas”, uma das mais radiofônicas do disco, e “Filhinho”, toda provocante e lúdica.

Mesmo as composições com voltagem um pouco mais baixa levam você ao remelexo. Exemplo de “Gringa”, canção com forte influência do côco, ritmo nordestino muito bem defendido no CD, e que conta com a participação especial do impagável Peida das Olinda, folclórico guia turístico das bandas de lá. E também da cadenciada “E Então”, assim meio bolerega(um tanto de bolero um tanto de Alípio Martins), uma bela canção romântica. Essa ainda pra dançar agarradinho. De preferência bem agarradinho. E de “O Gole”, exemplar clássico dessa nova música pernambucana influenciada pelo romantismo e pelo brega. Nessas duas vemos o lustre moderno das composições, melhor notado nas instrumentais "Berliman"(repare no teclado tecno e pesado no início da música), com toques de surf music, na encantada “Praia do L”, uma das melhores do CD, e no sambinha de branco “Primeiro Plano”.

E tem ainda, para finalizar essa encardida resenha, as letras. “Cumbia da Praia” e seu ritmo caliente (perdão, não consegui fugir do lugar comum) revela outra característica popular do disco, a poesia enraizada no dia a dia daquele que se apaixona, que pega ônibus lotado, que tem tesão e não excitamento. O cara escancara: “Quando ela chega lá na areia/Bota logo a canga pra deitar/Pede pr’eu passar bronzeador/eu fico sem poder me levantar”. Vai me dizer que você não passou por isso um dia? Esse descaramento, ou, melhor traduziria, discurso direto, está presente também em outras músicas, como na irônica “Você me Humilhou”, que, em tom de desabafo, critica os interesseiros: “Desde pequeno fui humilhado/quando eu chegava nas gatinhas/não era considerado/só porque eu era magrinho, cara de marginal /agora que eu estou na mídia, sou um cara legal”. Papo reto de um disco direto e incisivamente dançante. Essa é a proposta de Olindance, do Academia da Berlinda. Seja pop. Entregue-se.

Cotação: 4

Bote pra ferver:

http://www.mediafire.com/?8qjg5cin13tehv1

Veja "Fui Humilhado", gravado diretor de um show da banda:

Declaração de independência

Coitado de quem carrega nas costas a pressão de ser obrigado a apresentar algo sempre bom e demolidor. Para esses convergem todas as expectativas, os olhares inquisidores e as impiedosas cobranças. Na penúltima semana do mês de março de 2011, o mundo da música concentrou-se ferozmente no lançamento do último trabalho da banda novaiorquina The Strokes. O alvo, o álbum chamado Angles(2011). Depois de quase cinco anos sem gravar CD de estúdio, o grupo que “salvou” o rock no início dos anos 2000, com o impecável This is It(2000), jogava os dados na arena repleta de leões, diante da crítica e dos fãs famintos. O resultado foi um misto de estupor, incompreensão e aplausos comedidos.

Assista ao vídeo de “Under Cover of Darkness”:



Como deglutir uma obra tão diversa e atípica, se tratando de Strokes, quanto Angles? Sob que ângulo apreciá-la? O álbum é cheio de arestas que parecem traduzir o momento musical e pessoal dos cinco músicos que o produziu. Por trás dele, como elemento invisível, há o fato dos integrantes dessa incensada banda viverem um longo e tenebroso inferno astral. A imprensa repercute há algum tempo a relação corroída de Julian Casablancas, o elegante e blasé vocalista, Nick Valensi(guitarra), Fabrizio Moretti(bateria), Nikolai Frature(baixo) e Albert Hammond Jr.(guitarra). Comenta-se que eles mal se vêem e que o último trabalho foi gerado de forma estanque, com voz e instrumentos sendo gravados em sessões separadas. Esquisito, né?

E tem ainda o ângulo da idade e interesses musicais dos caras. Se Angles pretendeu mostrar a individualidade e maturidade de cada um deles ao distribuir de forma mais democrática a composição das faixas(foi-se o tempo em que Casablanca dominava a criação), o produto tinha que ser necessariamente multifacetado. E é isso que é, para mim, o último do Strokes, uma colcha de retalhos, um trabalho desigual que talvez busque a desconstrução do mito e das expectativas criadas sempre que o grupo dá a cara à tapa. Talvez eles queiram dizer que não pretendem mais ser vistos como os salvadores do rock, condição que, aliás, na minha concepção, é mera estratégia da indústria fonográfica que adora criar carências e ícones, já que o gênero, a meu ver, nunca precisou ser salvo.

Angles chega assim desnudado, dissecado e visto, pela maioria da crítica, como uma obra “estranha” ao mundo fervilhante e quase juvenil da banda novaiorquina pré First Impressions of Earth(2006). Tem alguns momentos realmente em que o disco soa como o velho e bom Strokes, aquele de guitarras nervosas e riffs marcantes, os que mais gosto inclusive. O rock urgente está presente, sem véus nem mágoas, nas muito boas “Under Cover of Darkness”, com suas cordas pulsantes e cozinha azeitada, e na ótima e também dançante “Taken for a Fool”, com sua linha matadora de baixo e guitarra, composição que poderia fazer parte de Is This It sem fazer feio. Nas duas, o grupo faz uma música direta, pop, sem firulas ou sem o “cabecismo” oco, típico de quem quer agradar os ouvintes mais intelectualizados.

A desconstrução e as novidades sonoras vêm com as outras oito canções desse curtíssimo álbum. Em poucos mais de 23 minutos de música, o Strokes é franco atirador. Mostra-se mais experimental, rendido a influências do passado, plural como a cabeça de seus integrantes. O grupo é sinthy-pop na simpática e melodiosa “Machu Picchu”, que abre o disco já chocando antigos fãs e na fraquinha “Two Kind of Happiness”. É grandiloqüente, sem dispensar a carga dramática, lembrando um pouco a emblemática Muse, na interessante e soturna “Metabolism”. E até soam um pouco bossanovístico, à moda da oitentista Style Council, na elegante pero sem graça e fora do tom “Call me Back”.

Ouça "Taken for a Fool":



Acho que toda essa pluralidade se deva a tal maturidade chegando sem apelo. E leia-se aqui honestidade e coragem de fazer aquilo que a partida banda quer na atual fase, sem muita preocupação em agradar gregos e troianos, goianos e baianos, sem concessões. Tem um pouco de cada um dos Strokes em Angles. Tem também um muito de uma banda que parece querer se reiventar, mesmo estando assim em pedaços. É um álbum franco e desigual. No que vai se transformar o Strokes depois disso? Aliás, será se vamos ter Strokes depois dessa declaração de independência chamada Angles? Como todo produto típico de uma transição, falta-lhe uma identidade, seu grande ponto fraco. Mesmo sem ser marcante, sem ser de cabeceira, é um disco respeitável. Deixemos, assim, os caras procurarem seu caminho. Sem crucificação. Devemos isso a banda.

Cotação: 3

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Os velhos:

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Não é uma Brastemp

Aguardava com expectativa, assim como a maioria daqueles que assistiram a novela criada em torno do The Vaccines, o lançamento do primeiro álbum dessa banda que virou hype no meio da galera. A exemplo do Arctic Monkeys, o quarteto londrino se utilizou da internet para conquistar milhares de fãs espalhados pelo globo. Essa turma foi despejando, numa seqüência curta, quatro músicas com forte apelo pop, roquezinhos crus e diretos que pegaram na veia da molecada ligada na rede. Em cinco meses a banda virou notícia nas principais revistas especializadas em música e teve aquelas quatro canções reproduzidas nas rádios rock mais influentes da gringolândia. Até que lançou, depois do estardalhaço, o disco com título esperto, que brincava com o sentimento de espera que produziram afoitamente: What Did you Expect From the Vaccines?(2011), na tradução, o que você esperava do Vaccines?

1 minuto e 20 segundos de punk music. Ouça "Wreckin'bar(Ra Ra Ra)":



O que esperar de uma banda com menos de um ano de vida e que provocou alguma embriaguez e elogios desmedidos antes mesmo de lançar um trabalho concreto, um disco cheio? É preciso muito cuidado nessa hora. O melhor mesmo é se despir daquela expectativa, esquecer os aplausos antecipados e ver What Did you Expect From the Vaccines? como o debut de um grupo que não tem a pretensão, pelo menos no trabalho agora exposto a todos, de revolucionar o rock. Vamos deixar de lado também as comparações com Strokes, Libertines, Interpol e o diabo contemporâneo a quatro. Afinal, se fazem um som que lembra em alguns momentos estas bandas citadas é porque todos os que querem conquistar o mercado precisam de referenciais. E é bom que, no caso do The Vaccines, as influências sejam aquelas.

Vídeo da bacana "If you Wanna":



Admito que na primeira, segunda e terceira audição não vi nada demais no som desses quatro garotos, que listo agora, pra conhecimento dos meus poucos, porém amigos e fiéis leitores: Arni Arnason(baixista), Freddie Cowan(guitarra/voz), Pete Robertson(bateria) e Justin Young(voz/guitarra), que, dizem as más línguas, é o mais marrento e falastrão deles. O problema é que lá pela décima audição continuei com a mesma impressão. Os caras começam o disco botando pra quebrar com a pegada punk de “Wreckin’Bar(Ra, Ra, Ra)”, rock urgente que chama pra pista. Assim como a bem bacana “If you Wanna”, garageira e trepidante, canção que reforça a vocação do álbum para a despretensão e provoca a comparação com Strokes. Boa de toda. Dá vontade de sair dançando pela sala, mesmo sem qualquer aditivo.

Esse gás adolescente e pegada dançante, o rock básico e direto, estão presentes ainda na honrosa “Blow It Up” e na irresistível “Post Break-Up Sex”, composição de qualidade que selou o interesse da crítica pela banda. Aí, fechamos o ciclo das canções que abriram na web as portas para a ascensão vertiginosa do The Vaccines. Todas as quatro músicas comentadas até agora tem lá suas virtudes. São legais, sim, mas não têm aquele diferencial que faça a gente realmente se arrepiar. Não sei se isso é coisa de quarentão exigente que já ouviu muita coisa boa e está sempre a espera do novo redentor(sem qualquer conotação religiosa, viu!) do rock. O fato é que a sonoridade febril do quarteto traz aquela sensação de algo já ouvido antes. As outras seis músicas, com exceção da classuda “All in White” e sua energia contagiante, despertam, pelo menos no cara desconfiado que escreveu essa resenha, interesse menor.

What did you Expect from the Vaccines? tem ligeiros 35 minutos. Tem o dinamismo da internet, a dinâmica do nosso cotidiano e indústria cultural que constrói e destrói coisas belas, lembrando o meu guru Caetano Veloso. E, pensando nesse rolo compressor capaz de induzir a sociedade a amar ídolos venais e biafras, temo pelo futuro dos meninos do The Vaccines. Que não sejam mais um simulacro, fogo de artifício que encanta em poucos segundos e depois desvanece sem deixar rastro. Acredito que, nessa minha, realçada mais uma vez, teimosa fé na humanidade, a banda possa, sem querer cobrar muito, evoluir e oferecer um trabalho mais consistente e perene da próxima vez. Que a história ratifique minha esperança para a felicidade de quem, como eu, ama pra danar o rock and roll. Afinal, tempo é o que não falta a esses garotos.

Cotação: 3

Tente o download, antes tarde do que arde:

http://www.mediafire.com/?tngt2advaswt1p8

Folk dos branquelos doidos

Quando ouvi pela primeira vez o duo norte-americano The Dodos fiquei deverasmente bem impressionado. Tive a sorte de encarar, logo de prima, Visiter(2008) uma obra elogiada pela crítica, com idéias nítidas e uma boa dose de inspiração. Os caras de São Francisco pariram um disco melodioso com peças cheias de graça e personalidade, que trafegava tranqüilo e soberano entre baladas acústicas e canções um pouquinho mais carregadas de energia. É, registrei na memória, os meninos de São Francisco faziam parte daquele time de criadores que podemos classificar de acima da média. Aí veio um outro álbum, tão irregular quanto o anterior tinha de belo, Time to Die(2009). Depois de algumas escutadas, coloquei-o sem remorsos no baú das coisas esquecidas. Neste ano, eis que os rapazes fazem as pazes com a decência e lançam o respeitável No Colour(2011).

Veja exibição ao vivo do The Dodos cantando “Black Night”:



The Dodos é Meric Long, no vocal, violão, guitarra e Logan Kroeber, na bateria e percussão. Esses dois sujeitos são respeitáveis por uma sonoridade própria, complexa, na qual o duelo das baquetas e das cordas agiganta-se a cada audição. A bateria tem um toque marcante, tribal às vezes. O diálogo enérgico de sua batida com violão e guitarra com uma harmonia mais folk desperta os sentidos. Não se assuste, porém, com minha definição do som dos caras. A complexidade de que falei não é do tipo intransponível. Está mais para instigante. Do tipo “quero ouvir de novo”. É isso que incita o interessante No Colour. E se o trabalho não tem a fortaleza de Visiter, ele chega perto daquele insight.

O quarto álbum do Dodos começa nervoso. Ligaram a bateria de Kroeber no 220 volts e ela só se desliga no final, depois de 45 minutos de canções vivas, espertas. A batida marcada, quase marcial, desse instrumento abre e dá o tom de “Black Night”, uma admirável canção, clarividente cartão de visitas para o ouvinte. O que se escuta na sequência é uma série de canções com o mesmo poder inventivo que nos leva ao hipnótico universo acústico do duo americano. Em “Going Under”, guitarra e violão parecem bailar desencontrados diante das baquetas potentes. As mudanças de andamento, a voz firme e afinada de Long contribuem ainda para fazer dessa uma das melhores composições do CD. O baile descompassado das cordas pode ser percebido ainda em “Don’t Stop” e “Good”. Ouça o violão melodioso em guerra com a guitarra mais esganiçada. É o folk dos branquelos doidos.

Escute “Don’t Try and Hide It”:



Long e Kroeber estão decididamente mais barulhentos e sujos em seu último trabalho. A evidente garra e intempestividade das canções não é amenizada nem pela presença da doce ruivinha Neko Case, parceira do The New Pornographers. Case, em sua carreira solo, é autora de alguns dos trabalhos folks mais divinos que ouvi nos últimos anos, caso de grande Middle Cyclone(2009), que já resenhei neste meu humilde blog, e do bem amado e excepcional Fox Confessor Brings the Flood(2006). A artista é presença como backing vocal em várias músicas, a exemplo da bacana “Sleep” e da linda e mais calminha, com refrão mântrico, “Don’t Try and Hide it”, uma das que mais me agradou nesse equilibrado álbum.

No Colour é um trabalho que recoloca o The Dodos no trilho que construíram com solidez no início de carreira. Para isso o duo contou com o auxílio luxuoso de John Askew, que produziu e afinou o já citado Visiter e Beware of the Maniacs(2006), o primeirão da banda. Com isso, os dois de São Francisco voltaram para um terreno que conhecem bem, para a zona de tranqüilidade. E reaparecem também menos experimentais, mais maduros, e, benza-te Deus, com a mesma inquietude criativa, pena e instrumentos afiados. A gente só agradece.

Cotação: 4

Linke-se ao som dos caras:

http://www.mediafire.com/?uaco4dox39puoxg#1

Misto quente abaianado

De quando em vez esse nosso imenso e desregrado país, em meio a corriqueiras notícias de corrupção e tragédias anunciadas, nos delicia com aquilo que o faz realmente grande e único: a mestiçagem. Não adianta fugir dessa doce condição: somos vários e plurais. Da pigmentação da pele ao gosto musical moldado pela irrequieta alma que tem uma inequívoca vocação para a festa. E, de vez em quando também, essa natural musicalidade provoca redescobertas que só reforçam admiravelmente nosso DNA. O álbum de estréia do projeto Baiana System é um exemplo cabal e luminoso disso. Uma bela experiência e homenagem que está trazendo de volta às ruas e palcos a estridente e brasileiríssima guitarra baiana, passeando agora por mares e timbres nunca dantes navegados.

Veja ensaio da música “Da Calçada pro Lobato”:



A guitarra baiana, ou guitarrinha, como apelidaram carinhosamente os soteropolitanos, é uma invenção do diabo. Foi criada lá pelos idos dos anos 50 do século passado pelos geniais foliões Dodô e Osmar, que deram ainda a ela um berço móvel para desfilar e que se tornaria para sempre um ícone do povo baiano, o trio elétrico. Um e outra são contemporâneos endiabrados, genuínas máquinas de produzir barulho e alegria. O disco do Baiana System, que leva o mesmo título do projeto, resgata essa farra musical, incrementada com outras sonoridades tão diversas quanto possível, sem perder a brasilidade jamais. Raízes nordestinos, levadas orientais, samplers e dub jamaicano(daí o system do projeto) são temperos comuns, mestiços, que, juntos ao miúdo instrumento baiano, fazem de Baiana System(2010) um irrecusável convite a festa.

Ouve aí “Oxe como era doce”:



Esse é um daqueles álbuns que eu deveria ter sido resenhado ano passado. Mas, nunca é tarde para se redimir, entrar em contato e se apaixonar por esse fervilhante trabalho. Até porque ele traz de volta a musicalidade e originalidade de um carnaval que, antes da ascensão da monstruosa e milionária indústria da axé music, conduzia milhares de pessoas ao êxtase numa democrática Praça Castro Alves, em Salvador. Sem abadás e sem cordas elitizantes. Atrás do projeto Baiana System, está sem mentor, o músico Robertinho Barreto(na foto aí do lado), que fez um bom trabalho a frente da banda Lampirônicos e, desde aquela época, sempre acreditou no poder da guitarra baiana e da mestiçagem. “Eu sou mestiço, acredito na mistura”, discursa o vocalista Russo Passapusso na ótima “Systema Fobica”, homenagem ao primeiro trio elétrico, uma fobica, que arrastou a multidão e também uma síntese da proposta plural do trabalho.

Se a guitarra baiana é a base do trabalho, como defende Robertinho Barreto, a magia se dá mesmo é pela generosidade com que ela se amalgama tão organicamente com outras referências musicais. O instrumento, tocado com agilidade, apimenta o som punk da guitarrada paraense na fantástica, e uma das melhores do disco, “Da Calçada pro Lobato”, música pra animar qualquer festa de responsa. A guitarra soteropolitana convida ainda uma cítara indiana para tocar um dueto com sotaque nordestino na boa “Amerikha Expressa”. E tem muito mais mistos quentes no trabalho, sempre, repare bem, com pitadas do dub jamaicano. Exemplo de “Jah Jah Revolta”, que tem uma versão aDUBada no final do CD, um ragga hipnótico com letra que abusa naturalmente do clássico vocabulário rasta, tipo babilônia em chamas. E também da já citada “Systema Fobica”, com muito reverb, loops e participação de B Negão, um quase sócio do Baiana System.

E antes que um leitor mais incauto, desconhecedor da história dos carnavais baianos de outrora, ouse imaginar que Ivete Sangalo ou Cláudia Leite vão dar uma palhinha no disco, recomendo: vá direto para a faixa 10, “Frevofoquete”. Aqui o bicho pega e a guitarra baiana soa, não como a indigente axé music, mas como um revival dos vigorosos e ricos tempos em que Dodô, Osmar e Armandinho eram soberanos nas ladeiras de Salvador. Nessa provocante composição, o vocalista convida o ouvinte a criar seu “sound system satélite em volta da terra e fazer seu próprio carnaval para a humanidade”. Seria esse o carnaval do futuro? E para mostrar de vez que esses baianos são diferentes do lugar comum, sugiro uma passadinha pela anordestinada faixa 1, a linda instrumental “Nesse Mundo”, e a minha preferida, a sensual “Oxe como era doce”. Oxe, isso é que era carnaval.

Cotação: 4

Se toque para a guitarra baiana:

http://www.4shared.com/file/Kkm9dTFj/DNA_Baiana_System__2010_.html

Trilha com substância

No nordeste profundo, onde a paisagem árida mistura galhos secos, homens secos, tapetes de seixos, o azul amortecido pelo sol inclemente, no mundo descrito por Euclides e que parece ter parado no tempo. Ali, num outro Brasil, o sertão que vai virar mar, vi um dia um burro morto. A boca escancarada, cheia de dentes, o corpo avolumado pela morte, inchaço festejado por milhares de moscas que preenchiam com seu zunido o silêncio do nada ao redor, olhos duros, fitando quem passasse em frente. O burro morto é uma presença triste naquele universo onde o bicho representa resistência e trabalho. Fim da resistência. Pra quem é nordestino, a imagem cala. Vi o animal morto por uns instantes naquele nordeste profundo.

Veja clipe de "KalaKuta":



O burro morto que inspira pesar foi a mesma imagem que incitou também garotos paraibanos a formar uma banda instrumental com aquele nome. Que faz um som que também cala. Seguem o caminho aberto pelo pioneiro Hurtmold, paulistanos cultuados e de responsa, e pelos talentosíssimos matogrossenses do Macaco Bong, autores de um dos petardos mais aclamados pela crítica em 2008, o bem tocado e fantástico álbum Artista igual Pedreiro. Meninos atrevidos os da Paraíba, com cultura musical e potencial para fazer trilhas de filmes. E eles usaram aquilo que mais parece influenciá-los, a black music e o experimentalismo, para produzir com toda independência um disco surpreendente, trilha sonora de filme, chamado Baptista virou Máquina(2011).

Não assisti o filme, mas ele parece estar incluído naquele gênero mais moderno e interativo de obra orgânica, coletiva, na qual música, imagem, a cargo do cineasta Carlos Downling, e design gráfico, pilotado pelo incrível Shiko dialogam e se complementam. Na obra cinematográfica, Baptista vive num mundo cerebral, frio, onde as pessoas vivem para trabalhar. Um dia ele sonha nos prazeres que a humanidade está perdendo com sua sanha workaholic. Sonha com sexo, amor e diversão. Esse roteiro inspirou a música que inspirou as imagens. O resultado é uma trilha musical robusta, com timbres e matizes ricos que marcarão, com certeza, a carreira do grupo paraibano e já marca o ano de 2011.

Escute "Cataclisma":



O álbum do Burro Morto é o segundo da carreira. O primeiro, na verdade um EP, Varadouro(2009), já havia chamado a atenção dos antenados de plantão. Diferentemente do Macaco Bong, que faz um som mais stoner rock, os caras da Paraíba buscam, pelo menos nesse Baptista virou Máquina, no jazz, no funk, no afrobeat e no rock, o verniz para suas composições. E ousam com um conteúdo que não dispensa improvisações e até atonalismo. Em “O Céu acima do Porto”, que abre com impacto o disco, psicodelia e teclados setentistas servem a uma melodia forte, que ecoa em nossos ouvidos. Elementos funkies fazem a delícia de músicas como as bacanas “Transistor Riddim” e “KalaKuta”. Reparem, nas duas, no contraponto feito por guitarra e teclado.

Os bons instrumentistas do grupo (Haley Guimarães, guitarra, Daniel Jesi, baixo, Leonardo Marinho, saxofone e guitarra, Vitor Afonso, percussão, e Ruy Oliveira, bateria) exercitam seu lado jazzy em bons momentos do CD, como a instigante “Baptista, o Maquinista”, um jazzinho que, sem resistir, cai no samba e a animada “Luz Vermelha” com sua cama percussiva minimalista e ecos de nordestinidade. Mas, existem outras referências que deixa claro que a galera leva o trabalho de pesquisa musical a sério. E demonstra ainda que os caras querem sair do lugar comum, provocando nossos sentidos. A climática “Volks Velho” experimenta do nada fácil atonalismo sem passar vergonha. “Cataclisma”, por sua vez, traz elementos da música árabe numa das melodias mais bem acabadas do álbum. Enfim, é trabalho com substância que vale, mesmo pra quem não é fã de música instrumental, uma boa escutada.

Cotação: 4

Taí o instrumento para ouvir Baptista...:

http://www.4shared.com/file/yftuSJo0/DNA_Burro_Morto__2011_-_Baptis.html

Obras do ilustrador Shiko para o filme Baptista virou Máquina: