Hora de fazer história

O Cine Brasília é um dos grandes templos da cultura na capital federal. Palco de empolgantes festivais de sétima arte que marcaram a história brasileira, o belo prédio de formas arredondadas resistiu à pressão das igrejas canibalescas, devastadoras incansáveis de tradicionais salas de cinema, e aos governos desastrosos e burros que sempre viram a arte como uma necessidade menor do ser humano. Pobres governos. Há algum tempo, aquele espaço é vítima do descaso imperdoável do poder público.

Corações valentes fazem hoje sua defesa. Meu grande amigo Doriva, de Brasília, faz parte de uma frente de resistência para salvar o Cine Brasília. Guerreiros bons de batalha, ele e seus amigos de fé convidam a comunidade para participar de um ato para descortinar o esquecimento ao qual aquele soberbo cinema foi relegado. Hora de por a consciência na rua. Doriva pediu para divulgar aqui a convocação. E esse pedido é, para mim, grande parceiro, uma ordem.

Segue a convocação:

Amigos (as),
No dia 08 de outubro, quinta-feira, às 16h, realizaremos (Adeilton Lima, Wellington Abreu, Walter Sarça e Doriva) mais uma ação artística na rua. A proposta é empacotar o Cine Brasília com sacos de lixo, numa espécie de abraço. Quem quiser se somar a nós, é só chegar.
Os espaços culturais de Brasília estão sucateados! O Cine Brasília é símbolo da cultura brasiliense e mais uma vez será maquiado para receber o Festival de Cinema/2009, enquanto o Secretário de Cultura anuncia que vai antecipar o edital do FAC de 2010, considerando que sequer divulgou os contemplados de 2009 ou zerou os pagamentos dos editais anteriores. Em defesa de nossa cidade e de nossos artistas e devido ao fato de o governo até aqui não ter apresentado sua política cultural para a cidade, voltaremos à rua para mostrar à sociedade que mais uma vez o governo Arruda e o seu Secretário de Cultura, Silvestre Gorgulho, blefam.
Na ação, cobriremos as duas placas do cinema com plástico preto.
Adeilton Lima
92399644
Doriva Brandão
8492 8158
Wellington Abreu
9629 9516

Não ignore este álbum

Era uma vez três porquinhos que num certo dia encontraram o lobo feroz e aí...montaram uma banda de rock. Na verdade, os porquinhos já tinham uma banda, o lobo chegou apenas para dar a dinâmica, poesia e a consistência que faltava aos três irmãos. Os brothers no caso são o guitarrista e vocalista Ryan Jarman, o baixista e também vocalista Gary e o baterista Ross. O lobo é, nada mais nada menos, que Johnny Marr, que veio para bagunçar o coreto, para dar uma sacudida no som dos caras e ajudar a fazer de Ignore the Ignorant (2009) o melhor álbum da curta discografia dos ingleses conhecidos como The Cribs.

The Cribs havia lançado três álbuns, todos metidos a engraçadinhos e com aquela sonoridade pueril de quem parecia não ter um norte, um foco. Muita música festiva, tiros para todos os lados e uma forte impressão de algo estava faltando na arquitetura torta montada pelos irmãos. Somente com o penúltimo de seus trabalhos, o bom Men's Needs, Women's Needs, Whatever(2007), os ingleses entraram nos trilhos. Alex Kapranos, o band leader da ótima Franz Ferdinand e produtor do álbum, contribuiu para aquele que parece ter sido o ponto de partida da maturidade da banda.

Com Ignore the Ignorant, o grupo passa um recadinho para os críticos, do tipo: olha estamos dispostos a ser considerados como uma banda realmente promissora. Parte dessa assunção tem a ver com Johnny Marr (veja ele aí na foto ao lado), para quem não conhece, a cara metade de Morrissey naquela que foi uma das grandes bandas de rock – talvez a mais autoral – dos anos 80, The Smiths. Marr emprestou sua guitarra competentíssima para que o último do The Cribs crescesse em peso, inspiração e ótimos riffs e solos daquele instrumento que é alma do som que fazem. Eles são assumidamente uma guitar band e, tendo no elenco, o grande Marr, estão com meio caminho andado para fazer um belo álbum.

E Ignore the Ignorant é realmente um excelente trabalho. Johnny e sua guitarra agregaram inspiração melódica a The Cribs, mantendo o frescor juvenil que o grupo vendia antes. Há uma moldura garageira tangenciando todas as composições, que conseguem, na maioria delas, manter um bom padrão de excelência. E olhem que isso hoje em dia é muito raro. “We Were Aborted” e a música de trabalho “Cheat on Me” abrem o disco com efervescência e vigor, dando as cartas para o que vai vir na sequência: canções alegres, alto astral, com melodias inteligentes e refrões, desculpem o chavão, grudentos.

Impossível não ressaltar: a guitarra de Marr, mais alucinada e liberta, dialoga com perfeição com a de Ryan Jarman. As duas abrilhantam ainda mais as ótimas “City of Bugs”, uma das melhores do disco com uma bateria repetindo batida marcial para as cordas consonantes dos caras, e “We Share The Same Skies” e “Nothing”, essas duas com ecos dos anos 80 e refrões marcantes. O disco abre generoso espaço para os solos de guitarra, principalmente de Marr, que só reforça a qualidade de sua impecável arte. Outro destaque é a “engajada”, "Victim of Mass Production", que critica aqueles que só conseguem surfar na onda do modismo: “Ele só consegue usar aquilo que vê nas revistas, ele é uma vítima da produção em massa”, numa livre tradução da letra que conta com um riff ensandecido de Marr.

O disco tem umas pequenas derrapadas, como a balada “Save your Secret”, “fofinha” demais a meu ver, e “Stick to your Guns”, além da capa tosca e de mau gosto(essa aí do lado), mas que não tiram os méritos desse que é um dos melhores álbuns de rock do ano. Não ignore “Ignore the Ignorant” com o seu frescor que salta de cada inspirada música. Biscoito finíssimo, este é um eficiente disco de rock'n'roll que pode fazer seu dia mais alegre e pulsante.

Cotação: 5

Quer ouvir? Vá:

http://rapidshare.com/files/274734696/CribsDeluxe.rar.html

ou

http://www.mediafire.com/?du2ilbmzzom

Macacos me mordam!

Já faz um tempinho que o grafite vem ganhando merecido espaço no mundo da arte dita erudita. Muito bacana isso. Sinal dos tempos e uma vitória promissora contra o preconceito, esse cancro que insiste em puxar a humanidade pra baixo. Grafite é arte sim, dependendo, é claro, do talento e da grandeza do coração de quem empunha as latinhas de spray. Aí você vê a moderna pintura dos muros das grandes cidades, grafiteiros com muito a dizer, ex-moleques urbanos dividindo, com sua nova maturidade, espaço com telas de gente renomada, consagrando-se assim também. Aqui, não cabe a palavra pixação no que isso tem de mais abusivo, mas sim no que ela tem de mais abrasivo, incandescente. Mudou até de nome, nesse caso. Virou grafitagem.

No Brasil artistas como Speto e Os Gêmeos (obra abaixo), só para citar os mais conhecidos, romperam fronteiras e conquistaram a crítica mundial. Emprestam sua arte para muros de museus, de fábricas, de casas e indústrias planeta afora, tornando o cenário caótico de muitas cidades mais alegre e espirituoso. Em comum esses caras tem a reinvenção da figura do homem, que na ponta da latinha, transformam-se em personagens de olhos esbugalhados ou de rostos quadrados e amarelos. Uma encruzilhada de quadrinhos e elementos pops criando universos novos e fantasiosos ou mesmo reforçando a crueza da realidade em um estupendo e contrastante colorido.

Hoje conheci mais um artista do grafite com envergadura próxima a de Speto e dos Gêmeos. Seu nome é Hudson Melo, o Magão(olha o cara na foto ao lado), um piauiense radicado em Teresina que usa a técnica da grafitagem e desenvolve projetos com toy art. Garoto talentoso que baixou, qual exu do bem, com sua arte provocadora e lúdica no superbacana espaço cultural do Sesc Mecejana aqui em Boa Vista, numa visita relâmpago. Foi uma das atrações dos projetos Cruviana e Overdoze (ótimo nome esse), este último responsável por uma bem vinda maratona de doze horas de música, pintura, teatro e dança para a galera macuxi. Hudson bem que podia ter tido mais espaço na imprensa local. Merecia.

Pouco mais de uma dezena de obras do artista piauiense Magão iluminaram uma das paredes da sala de exposições. Como acontece com os artistas que trabalham com grafite, ele tem personagens recorrentes, como se fossem uma marca ou assinatura própria. Um deles é um histriônico magrelo com uma caixa de papelão na cabeça, um avestruz cosmopolita, anônimo como milhares cidadãos das metrópoles que passam pela gente e a gente nem vê. O espadaúdo mora, dentro da exposição, em um cenário quase monocromático, com elementos circenses e traços rústicos que remetem claramente ao grafite puro, direto.

O outro personagem é um macaco, desenhado com traços mais refinados e que aproxima o trabalho de Hudson da xilogravura, aquela que ilustra os cordéis, uma referência declarada do cara. Gosto mais dessa tendência ao barroco e também a liberdade do artista de trabalhar os símios em suportes diferenciados, como madeiras vazadas(como o "Kill Boy" aí da foto) e compensados, abusando do vermelho (uma obsessão, parece, do artista) e do negro e, em algumas obras, sambando nas cores. Extremamente pop e visceral, o animal salta a vista como quisesse agarrar em seu pescoço.

É possível ver semelhanças, em alguns trabalhos, entre a arte de Hudson e de Speto e dos Gêmeos. Mas, não é cópia. Cada um deles tem traços próprios. O que se vê, na verdade, é uma espécie de sadio canibalismo que ajuda a alimentar e fortalecer o grafite cada vez, uma arte mágica que seduz principalmente aquela geração, ou os filhos destas, que viveu a transição da arte mais tradicional para uma arte mais despojada e que permite a influência dos quadrinhos, da televisão e da internet, do universo pop na criação artística. Gente que quer ver rediviva numa suruba visual e orgiástica Bacon, Matisse, Miró, Mangás, Crepax, Tin tin, Batman e Robin, pop arte e cordel, Pinguim de geladeira e óculos 3D, Michael Jackson, Madonna e Chacrinha, fadas, deuses da mitologia e curupiras, tudo misturado numa arte que fale alto aos olhos e coração. Hudson sabe usar os elementos culturais que o fizeram artista. Esse cara tá no caminho certo e tem tudo para ir longe.

Cinco perguntas pro Magão:

Qual o grande barato da grafitagem?

• O grande barato é o poder de ação, você ser o responsável pela mensagem sem interferência de ninguém! Graffit e liberdade para mim são a mesma palavra!

Como é o movimento dos grafiteiros no Piauí? É uma arte entendida pela comunidade?

• É sempre difícil para pessoas entenderem pela proximidade do graffit com a pixação, mas é bem aceito mesmo assim.O movimento aqui no Piauí é forte, mas bem reduzido. Existe um grupo no qual faço parte chamado feitotinta(www.feitotintacrew.blogspot.com), que é bem atuante. Aqui, a uma luta pela sobrevivência desta arte está praticamente por nossa conta. Existem bem poucas pessoas fazendo street art fora do nosso grupo.

Quais as grandes dificuldades de se fazer street art por aí e quais as recompensas?

• As dificuldades são as informações palpáveis, ou seja, os materiais que dificilmente chegam aqui. Mas a gente se vira. Todos do meu grupo têm oito anos de graffit, então já temos um pouco experiência para se virar, conseguir trampo. Temos que pintar algumas coisas que não queremos, como os trabalhos comerciais. Mas precisamos sobreviver.

Quem é o cara com a caixa na cabeça. De onde vem a inspiração para compor seus personagens?

• O cara com a caixa na cabeça é um pensamento sobre as pessoas que fazem street art em geral. É sobre o desejo e força de fazer algo forte como a arte sem precisar se identificar. Deixar que a minha arte faça parte da vida das pessoas antes de mim, porque isso pra mim é o mais importante. Os meus personagens são frutos primeiramente da minha rotina de observação sobre as coisas. Depois falo um pouco sobre a falta de espaço pra natureza e a invasão dos animais na nossa vida por falta de espaço e milhões de problemas ambientais.

Alguma influência artística em sua vida?

• No geral gosto de uma arte mais simples e inocente, como a arte africana e a mexicana.


Vá no blog do Magão:

www.feitotintacrew.blogspot.com

Pra fazer a cabeça

Otto nasceu pro mundo artístico em vôo solo com um belo exercício de modernidade de título provocador. A obra em questão era Samba pra Burro (1998), discaço no qual desbravava, qual um navegador assanhado e febril, novos territórios sonoros. Mestiçagem da boa, um flerte entre a tradição e o novo que se tornou referência para muitos outros músicos bons de bola. O faixa Otto era como um Carlinhos Brown pernambucano, inquieto na experimentação musical, com uma cabeça astronauta funcionando a mil. Quando não estava, é claro, sob a influência da diamba, filosofando palavras soltas, rindo de si mesmo e do mundo. Uma figuraça.

O galego, que deixou muito marmanjo morrendo de inveja quando teve um longo relacionamento com a bela Alessandra Negrini, tinha tirado umas férias. Desde o bacana Sem Gravidade(2003), não gravava nada. Voltou agora, seis anos depois, com Certa Manhã acordei de Sonhos Intranquilos (2009), quarto trabalho de estúdio, que traz sua incontestável assinatura. É uma continuação de seu disco anterior, sereno, fruto de um Otto mais maduro, desenvolto, disposto a assumir descaradamente influências do passado e arriscar passos mais dramáticos e objetivos. Um artista cada vez mais desnudado, corajoso, sem querer vender a imagem de moderninho que marcou o início de sua carreira.

A filosófica “6 minutos”, tamanho real da música, é bem sintomática dessa sua fase atual. Com uma bela melodia, o artista assume um lado despudoradamente passional. A competente guitarra derramada, sinuosa que introduz a composição abre caminho para uma letra rasgada e viajandona. “Nasceram flores no canto de um quarto escuro/ Mas eu te juro, são flores de um longo inverno”, canta Otto com sua voz carregada. É talvez a declaração de renascimento depois do período de reclusão. O artista, um dos pais do mangue beat, nunca foi tão confessional. Sem medo de ser feliz.

Esse Otto romântico, até meio brega, surge solene em outros momentos do álbum. Como na releitura de "Naquela Mesa", clássico incandescente de Sérgio Bittencourt. O artista mantém a dramaticidade da música, hit dos anos 70 do século passado na voz do mítico Nélson Gonçalves, acrescentando um teclado típico do brega nordestino – referência assumida –, tornando ainda mais popular o velho samba canção. Uma delícia. Há também nostalgia em “Saudade”, uma da melhores do álbum, com uma levada de carimbó, percussão e cordas marcadas, sensuais, boa para dançar coladinho. A participação especial da mexicana Julieta Venegas (que também canta na ótima “Lágrimas Negras”) só aumenta o clima caribenho da canção.

Mas, há ecos, mais contidos, daquele Otto do Samba Pra Burro, na busca de sonoridades mais modernas. É o caso da chata “Meu Mundo” e da fantástica “O Leite”, esta última com inserção de toques eletrônicos e batucada, numa mistura sedutora, valorizada cem por cento pela voz da cantora Céu e a letra passional. Como num tango. “Quando eu saí da sua vida, bati a porta / saí morrendo de medo do desejo de ficar”, canta docemente os dois, perfeitamente coadunados. Pra dançar, o artista nos oferece a gostosa “Janaína”, onde reverencia o batuque do candomblé, presente invariavelmente em todos os seus discos, dessa vez com um marcante solo de guitarra, a cargo do instigado Fernando Catatau. Fazem parte ativa da trupe ainda, entre outros, Pupillo e Dengue, baterista e baixista da amiga Nação Zumbi.

Certa manhã acordei de sonhos intranquilos, lançado até agora só na gringa, é um disco instável, sem a vitalidade do debut e de Condom Black (2001), mas ainda assim uma obra com personalidade e bons achados. É raro ver um artista que mantem uma coerência em sua carreira, como Otto. O cara não ta aí pra agradar a crítica de plantão nem os filhinhos do Faustão. Não quer se amaziar com o sucesso, nem ser o guru da nova geração. Quer fazer o que gosta, uma música desapegada, honesta, que tem a ver com seu momento e sua verdade. Esse álbum é assim, verdadeiro e por isso tá aí pra fazer a cabeça de muita gente. Com ou sem diamba.

Cotação: 3

Download ottorizado:

http://www.mediafire.com/?1mjxyzzjdjj

ou:

http://www.4shared.com/file/129755990/280b39c1/Otto_-_Certa_Manha_Acordei_De_Sonhos_Intranquilos__2009_.html

Vendo corações partidos

A dor de cotovelo é tão antiga quanto à humanidade. Desde que o homem começou a raciocinar e a amar, desde que do outro lado da ponte havia alguém do sexo oposto, ou do mesmo sexo, disposto a um relacionamento amoroso, o coração sempre correu riscos. Pobre dele. E quando as decepções amorosas surgem, quem já passou por elas sabe, nascem dores abissais, certificados de fracasso e angústia pendurados na parede da alma. Mas, como, a gente também tem o dom do renascimento tão forte quanto à propensão a dor, fomentamos, mesmo nadando num vale de lágrimas, a vital esperança.

Esse sentimento de perda contraposto a luz no fim do túnel é o combustível aditivado de The First Days of Spring(2009), o segundo trabalho, depois de Peaceful, The World Lays Me Dow(2008), de Noah and the Whale, uma banda que está conquistando cada vez mais espaço entre os indies. O álbum, coeso em sua proposta, parece ter sido engendrado por alguém que estava passando por um profundo perrengue sentimental. Vai ver Charlie Fink, vocalista e principal compositor da banda, estivesse vivendo uma daquelas desilusões amorosas cinematográficas e o que é melhor, para nós ouvintes, disposto a reparti-la com o mundo.

The First Days of Spring é assim um belo e melancólico testemunho de corações partidos, mas dispostos, em algum momento, a começar tudo de novo. A sonoridade é folk resvalando aqui e ali em tons orquestrais que só ampliam a intensidade das canções. Pelo menos uma delas, “Instrumental I” tem uma roupagem mais clássica, meio épica e próxima à erudição, com coro de orquestra e cordas e metais ensaiando pompa. Uma melodia que parece ter se inspirado na parte dedicada à primavera da famosa sinfonia “As Quatro Estações”, do italiano Antonio Vivaldi. Seu andamento febril evoca fortemente domingos de sol, piqueniques e crianças alegres correndo no gramado.

A grandiloqüência daquela música não é, porém, lugar comum neste trabalho do grupo londrino. O álbum de Noah and The Whale flerta mesmo é com a melancolia, mas sem ser, antes que isso espante aqueles que fogem de sons mais delicados e downtempo, estupefaciente. É uma tristeza tratada com ternura, com a abertura para uma virada de sentimentos e postura citada no início desta resenha. “The First Days of Springs”, a música que dá nome ao CD, por exemplo, começa marcial, com um tambor monolítico, e segue com uma linda melodia que, num crescendo, desaba em arranjo orquestral clareando um cenário que pendia para o glacial.

“Our Window” utiliza-se de um piano tristíssimo, em compasso preguiçoso, chamando a cumplicidade de um violão emotivo e de uma bateria doce e sossegada. A bonita composição rivaliza, em inspiração melódica e arranjo consistente, com “Blue Skies”, que ganhou um clipe e espaço nos hds da galera antenada com a boa música indie. “Esta é uma canção para qualquer um que tenha o coração partido”, avisa Fink, abrindo lá na frente um clarão de esperança e alegria: “Céus azuis estão chegando”. Corinho e pandeiro hippie ajudam a criar uma imagem positiva para acalentar aqueles feridos e desterrados pelo amor.

Os corações destruídos voltam na mediana “My Broken Heart", cujo grande problema é sua vocação para a monotonia, temática e sonora, depois de quatro músicas incandescentes e apaixonadas. Talvez, seja isso na verdade, o que incomoda um pouco no álbum. Essa coesão conceitual, centrada na perda amorosa, e o abuso de violões dedilhados e pianos açucarados dão canseira em certos momentos da audição. Não tiram, contudo, o mérito de uma obra densa, introspectiva e com honestidade poética. O talento de Noah and the Whale para a criação de canções de forte apelo dramático torna-se aqui evidente. Quem sabe no próximo disco, com todos do grupo vivendo grandes amores, tenhamos um trabalho com uma carga de otimismo transformada em canções para dançar sob o sol.

Cotação: 3

Junte os caquinhos:

http://www.mediafire.com/?wwzznymxzzw

Asas aos sonhos

Milhares de balões coloridos levando um velho rabugento e uma criança rumo a um antigo sonho. Uma história com sabor de clássico e que lembra o otimismo impresso com toda ternura nas películas de Frank Capra. Esta foi a primeira sensação que me deixou Up – Altas Aventuras, a mais recente mostra de virtuosismo técnico e emocional da parceria Pixar/Disney. Feito também em 3D, a atual obsessão dos estúdios de animação, o fabuloso longa-metragem vende magia, lições de moral e preciosismo em doses democráticas. Diversão feita com esmero e inteligência.

Difícil, para quem não tem preconceitos com qualquer gênero cinematográfico, não gostar de um desenho animado de tamanha boa intenção e pretensão artística. Ainda mais quando o roteiro, simples e inventivo, tem elementos de sobra para encantar crianças e adultos, mesmo utilizando-se de lugares mais que comuns. Lá estão o velho castigado pelas inevitáveis perdas provocadas pelo impiedoso tempo e a criança em estado puro de energia, representação icônica do novo e da esperança. Os dois com níveis de expectativas diferentes na vida, mas que se encontram em torno de uma mesma paixão que os vai unir: o desejo pela aventura.

Essa intersecção se dá de forma inesperada na bem bolada história com jeitão de fábula urbana. Carl Fredricksen, um ex-vendedor de balões de 78 anos que perdeu o bom humor depois que a esposa faleceu, dá asas, por uma circunstância fatal, a um sonho que o tempo se encarregou de frustrar: morar no topo de uma montanha na América do Sul marcada por uma imensa cachoeira. O local é um paraíso quase mítico que o homem nunca conseguiu alcançar. Suas asas são incontáveis balões coloridos que transformam a casa em que viveu com sua única mulher num histriônico dirigível. Voar é a chave para a fábula aventureira.

Aqui entra o contraponto que vai gerar o conflito emocional e toda a afetividade presentes no filme. Inesperadamente, Fredricksen é obrigado a levar um “fardo” na sua surpreendente viagem em direção ao desconhecido, o garotinho Russel, um escoteiro com traços nipônicos cujo sonho, por sua vez, é ganhar um distintivo. É a única premiação que falta na coleção do menino para que ele ganhe a honra de ser, na hierarquia do escotismo, um “grande explorador”. A química dos sonhos acaba abrindo as portas no filme para um relacionamento antes marrento, mas depois terno e altruísta.

Esse é resumidamente o mote da animação que, lá na frente, apresenta o vilão da história, uma surpresa para o espectador. No meio de um tiroteio de interesses divergente vividos pelos personagens, Up – Altas Aventuras, dirigido por Pete Docter(Mostros S.A), é construído de momentos tocantes e bem humorados. Não faltam mensagens ecológicas e de companheirismo numa trama lúdica que ganha a platéia exatamente por não complicar o meio de campo. Tudo ali está muito objetivo, palpável e sólido como a impressionante técnica em 3D desenvolvida pela Pixar, a mesma de Toy Story e da obra-prima Wall.E, que aproxima magicamente o público do real.

É alta tecnologia a serviço de uma fábula contada com alegria e emoção. E, o que é melhor, com ares nostálgicos que remetem à era de ouro do cinema norte-americano. Os sensacionais cinco minutos iniciais, praticamente sem diálogos, reforçam ainda mais esse clima. O espírito de aventura, um mundo desconhecido no meio do continente sulamericano, dois insuspeitos e simpáticos “indiana jones”, os coadjuvantes que fogem da linha do tradicional, tudo isso colabora para aquela sensação que rende uma grata e saborosa sessão. Fascinante para as crianças e divertida para os adultos. Mais um grande desenho animado, que tem tudo para entrar na lista de clássicos de uma parceria que está reinventando a história da animação na sétima arte.

Cotação: 4

Veja o trailer legendado do filme:

http://www.youtube.com/watch?v=ydmQXtfnnFY

Casagrande é do rock

Naquela tarde quente de 15 de agosto, a deliciosa costela de tambaqui que havia comido alguns minutos antes ainda estava sendo digerida pelo meu preguiçoso aparelho digestivo quando vi, redivivo, Walter Casagrande na TV Globo. Vidrei: o ex-jogador e comentarista de muitas tardes de domingo de futebol, defenestrado de nossa telinha após um relacionamento hardcore com as drogas e um longuíssimo silêncio, voltava inesperadamente a ativa. E pra falar logo de...rock and roll. Uau, imaginei, pra emendar depois: isso é o que pode se chamar de uma volta emblemática.

Casagrande foi o primeiro apresentador de uma série de sete filmetes sobre aquele gênero musical, baseada no documentário “Seven Ages of Rock” da BBC britânica, que o Jornal Hoje iria exibir somente nos sábados. Esse resgate relâmpago só veio confirmar para mim o quanto nossa televisão é, algumas vezes, terrivelmente irônica e surpreendente. A imagem do cara, com seu jeitão de troglodita e a mesma cabeleira desgrenhada, ali, falando do libertário mundo rocker, trazia fatalmente à memória o incidente que parece ter acabado de vez com sua carreira de comentarista.

Pra quem não se lembra, Walter Casagrande foi notícia depois de um acidente feio com sua Cherokee em setembro de 2007, em São Paulo, que o levou malzão ao hospital (foto abaixo). Depois sumiu, sem explicações, da televisão. A Globo, patroa do comentarista de jogos de futebol, emudeceu. “Licença médica”, dizia apenas atrás de sua capa moralista.Ele voltou a virar notícia quando revistas e jornais informaram que estava em uma clínica de recuperação de viciados. Cocaína e heroína, o vício, apurou a tradicional Placar numa reportagem de sete páginas. Virou capa de conhecida revista semanal. Drama exposto para vender mais exemplares nas bancas. Tava lá o astro, desnudado e infeliz, desintoxicando diante da platéia big brother atônita.

A moral brasileira de ranço católico é podre como um toco de coqueiro castigado durante anos pela maré. A maioria tende a não perdoar alguém que é exposto de forma tão explosiva e pública como foi o ex-ídolo do Corinthians. E Casagrande foi o responsável, naquele primeiro Sábados de Rock – esse é o nome da série – por um texto que vendia o espírito explosivo do rock em sua gênese. Fatalmente, ele teria que citar a inevitável trinca sexo, drogas e rock and roll. Mas, a maior das ironias é que em seu texto rolou sexo, rock, mas as drogas ficaram estranhamente de fora do roteiro. Esquecimento ou protecionismo, quem vai dizer? Mas, que ficou uma lacuna ninguém tem como negar.

O artilheiro começava seu texto, numa locução acelerada, impessoal, listando aquilo que moveu o rock e o colocou como um dos combustíveis mais revolucionários do século passado: “Guitarra, bateria, baixo, volume máximo, atitude, transgressão, sexo, estilo, mensagem, conteúdo.” Mas, e as drogas? Como tirar dessa lista aquilo que, pelo bem e pelo mal, empurrou dezenas de ídolos, centenas de rockeiros a tomar atitudes que ajudaram a dar uma cara transgressora ao gênero e o colocou na “black list” de pais e religiões mais conservadores. Esperei Casagrande falar das drogas, mesmo numa vírgula de seu texto, mas, o cara não falou.

Fora isso, foi interessante ver nosso louco ex-comentarista esportivo muito à vontade para falar superficialmente – até por uma imposição do meio eletrônico - do rock, uma de suas grande paixões. Fã dos ícones doidões Hendrix, Janis Joplin e The Doors, cujos band leaders tiveram fim trágico, dois deles vítimas de overdose e o terceiro à sombra da suspeita, Walter Casagrande bate um bolão quando o assunto é guitarras no volume máximo. O que deve ter surpreendido muito espectador. Ou não, como diria Caetano Veloso, outro influenciado pelo rock no início de carreira.

Muitas carreiras e dezenas de dias enfurnado em uma clínica depois, Casagrande ficou longe dos noticiários desairosos sobre seus prazeres antes secretos. Deve ter se curado. Apareceu bem e cheio de energia na televisão, refrescando a tela naquele meio de agosto cansado de tantas manchetes requentadas sobre a morte de Michael Jackson. O fato é que cinco minutos e meio depois de ouvir o cara falar de Beatles, Dylan, Clapton, Kinks e Rolling Stones na televisão em horário nobre, não tem como deixar de dizer: Casagrande é do rock!


Se você não viu o Casa no Sábados de Rock, se ligue:

http://www.youtube.com/watch?v=V3dMO6aqpTc&feature=related

Mais à vontade ainda, Casagrande opina sobre seus ídolos pessoais e o rock brasileiro:

http://g1.globo.com/jornalhoje/0,,MUL1266072-16022,00-WALTER+CASAGRANDE+ARTILHEIRO+INTELECTUAL+DO+ROCK.html

O Método Uhuuu de experiências

Quando me deparei com Fernando Catatau(esse aí do lado) no corredor do teatro antes do show, chamou atenção aquela figura esquelética, de barba cerrada, andar lento e roupa displicente. Parecia um desses personagens podicrê que habitam as histórias em quadrinhos do maluquete Robert Crumb. Invisíveis braços abertos, cara de bons amigos, logo me aproximei dele para um contato rápido. Falar de psicodelia e de suas viagens sonoras. Não deu. O adiantado da hora não permitiu, mas do encontro ficou o sorriso afável dele e o rastro de minha única frase besta, soletrada antes de seus passos acelerarem: “Bota pra fuder!”. E ele botou.

Antes daquele show em Fortaleza, cidade natal do dito cujo, eu já havia virado fã do cara. Culpa, no começo de tudo, de um CD demo de Catatau e sua banda, a Cidadão Instigado. O álbum trazia cinco músicas com o verme daquilo que o artista carregaria dali por diante – o ano era 2001 – em sua carreira: uma tendência à fusão de ritmos e ao experimentalismo. Tinha rock e maracatu (um mais primal, cadenciado, diferente do praticado em Pernambuco e difundido para o Brasil graças a Chico Science) misturados fluidamente, eletroniquices e poética torta, moleque e popular, sem ser popularesca.

Depois aquele surpreendente trabalho, um pequeno ensaio, não demorou muito e Catatau deixou de seu um cidadão da aldeia Ceará para ganhar o Brasil. Perdeu-se e se achou cidadão paulistano. Cidade do tamanho certo para suas divagações e ousadias. Dava para se espalhar ali, deve ter pensado. Lançou dois trabalhos, o difícil O Ciclo da Decadência(2002) e o excepcional O Método Tufo de Experiências (2005), que o colocou no mapa musical da galera mais descolada e abriu as portas para trabalhar, como instrumentista, em vários projetos de gente disposta a fazer um som mais consistente, menos radiofônico. Puta guitarrista que é, hoje com certeza um dos melhores do Brasil, não lhe faltou convites e oportunidades para dar uma temperada em uma penca de álbuns de artistas bacanas como Cibelle, Otto e o coletivo Instituto, entre outros.

Paciente, Catatau gosta de burilar seus trabalhos solos à frente do Cidadão Instigado. É quando tem mais liberdade e pode investir no desenvolvimento de um som que ganhou uma cara mais definida a partir de O Método Tufo. Aqui, sua guitarra roqueira, que algumas vezes se aproxima da latinidade e sensualidade de Carlos Santana e em outras traz ecos da pompa e psicodelia do rock progressivo, se aliou – em momentos sublimes – ao brega para provocar os nossos sentidos e chamar a tenção de uma aturdida crítica. Tudo volta a se repetir em seu mais recente e um pouco menos inspirado álbum de nome singelo, Uhuuu(2009).

Vamos abrir um parêntese. Eu como contemporâneo de Catatau, filho de classe média numa Fortaleza ainda provinciana, imagino a equação possível na cabeça do artista. Esse rock com pitadas do brega, que ganha aqui outro nível e conotação, deve ter a gênese, deduzo, na infância cearense do cara. Houve uma época em que Carlos Alexandre, Waldick Soriano e Odair José (o bonitão da foto ao lado), entre outros expoentes da também chamada, nos anos 70, “música de corno” empesteavam as AMs com suas melodias e letras melosas. Muito coração partido, mulher infiel e choro na cama. Muitos hits nas rádios, companheiros nos bares de românticos pés inchados e aqueles verdadeiramente traídos.

Voltando a Uhuuu!. O título do disco pode enganar os incautos. Uhuuu! é um grito de guerra de surfistas, assumido também por roqueiros. E não podemos chamar o último trabalho do Cidadão Instigado exatamente de roqueiro, apesar do artista ter esse gênero como uma influência marcante. Até porque o resgate do brega romântico, com tintas e vigor renovado, volta a aparecer ainda mais depurado no disco. “Como as Luzes” é uma canção de amor com pegada brega, com direito a coro feminino e bateria características daquela música, mas que, de uma hora para outra, ganha um solo de guitarra manhoso e metais épicos, típico do rock progressivo. “Dói”, o nome não poderia ser melhor, eleva esse lado brega um nível acima, falando de sofrimento com uma camada de guitarra e teclado açucarado, sem falar no texto falado, um breque clássico do gênero que Catatau resolveu retrabalhar.

Mas, reduzir o cantor e compositor a esse mundo “brega rock” ou algo que o valha é uma injustiça e erro tremendo. Uhuuu! reforça também a tendência experimental da música do Cidadão Instigado, que é muito mais complexa do que pensa nossa vã filosofia. Em “Doido”, por exemplo, o som pode soar levemente brega em alguns momentos da composição, mas surpreende, num passe de mágica, quando as cordas da guitarra pesam um pouco mais ou quando vozes , sons e barulhos indistintos se misturam num emaranhado confuso, revelando uma faceta anárquica que a banda sempre exercita.

A anarquia e a provocação podem tanto estar na mistureba sonora que o Catatau cria, a exemplo da fusão de rock pesado e um certo ar circense vistos na intrigante “O Nada”, como quanto em suas letras surpreendentes. Quem, fã do artista e sua banda, não lembra das vacas loucas e dos urubus vorazes da cultuada “Os Urubus só Pensam em te Comer”, faixa de seu disco anterior. Em Uhuuu!, o cearense continua viajando sem medo de ser feliz e qualquer pudor em sua poética alucinada.

Na climática, “Radiação na Terra”, assume a gramática da ficção científica e tomzeniana, para a letra curta: “Vou comprar um óculos infraestelar só pra não ter mais que ouvir os terráqueos daqui cantando”. Em “Ovelhinhas”, rock com rajadas eletrônicas que se aproxima ainda mais da cultuada “Os Urubus só pensam ...”, um bando de ovelhinhas “pulam na cerquinha de madeira e do lado de lá desapareciam”. Já na ótima e roqueira “O Cabeção”, ao som de guitarras pesadas, o personagem da música promete tomar conta do mundo colocando, conectado a ele, um piolho espião na cabeça de cada terráqueo com a missão de “destruir todos os pensamentos e unir todas as gerações numa nova dimensão”. Quadrinhos puro.

No final das contas, Uhuuu! soa como uma continuação mais bem produzida de O Método Tufo..., mas sem o impacto e o frescor deste. Talvez porque a sonoridade proposta não seja mais nenhuma novidade. Mas,de qualquer forma, temos o bom e velho Catatau tocando um foda-se para a caretice e dizendo para o resto da humanidade “eu sou eu, nicuri é o diabo”, como diria Raul, ou numa tradução mais jovem guarda, "que tudo mais vá pro inferno”. E essa ousadia e desapego ao comercial faz um bem danado para a gente.

Cotação: 4

Uhuuu! pra você também:

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WWW.fernandocatatau.blogspot.com

Retrô inspirado

Vem do Alaska a banda que produziu um dos lançamentos fonográficos do ano mais bacanas que ouvi até agora. O nome da banda de indie rock é um tanto esquisito, até mesmo surreal: Portugal. The Man (esse ponto no meio faz parte da esquisitice). O quarteto norte-americano que veio daquela gélida região faz um som terno, aconchegante, com textura próxima do pop e alma retrô. Essa é a boa liga de The Satanic Satanist (2009), - eles realmente parecem gostar de nomes bobos – quarto e alentador trabalho do grupo.

Nunca tinha ouvido falar de Portugal. The Man. Quando escutei o álbum mais recente da turma, me interessei em conhecer melhor a obra de John Gourley(vocalista), Zach Carothers (guitarrista), Jason Sechrist (baterista) e Wes Hubbard (tecladista). Os fundadores da banda vieram de um grupo de grupo de post-hardcore do Alaska chamado Anathomy of a Ghost. Essa origem parecem ter influenciado os dois primeiros discos da galera Waiter: “Your Vultures”(2006) e Church Mouth(2007), nos quais a carga de experimentalismo que fez a crítica compará-los aos loucos do The Mars Volta. Irregulares, esses dois CDs revelavam um quarteto em busca de um caminho próprio.

O terceiro álbum do grupo, Censored Colors, com instrumentos de sopro e corda, como trombone e violino, colocou Gourley e companhia (olha os caras bem na foto ao lado) em um novo patamar. Qualitativamente acima, é bom que se diga, apesar de todo o ecletismo proposto pelo bom disco. Com The Satanic Satanist, Portugal. The Man parece ter se cansado de suas viagens experimentais e mergulhado com fome no passado. Mais orgânico, esse trabalho soa deliciosamente retrô, com suas referências ao rock e soul com a cara dos anos 60 e 70. E a coisa funciona melhor ainda graças ao sotaque pop emprestado às composições.

Difícil não ouvir ecos dos anos 70, por exemplo, em “People Say”, que abre o disco e a primeira música do CD a se espalhar pela rede. Das melhores do disco, a alegre canção tem guitarra setentista e refrão matador. A também bacana “Guns and Dogs” segue a mesma toada, com uma melodia cheia de graça. Reparem, lá pelo fim da música, no piano suave contrastando com a guitarra mais animal. Mais pop e viciante, a banda acerta na mão com duas outras belas criações, as garageiras “Do You” e “Lovers in Love”, na linha do rock urgente e enérgico do Arctic Monkey, mas ainda com um pezinho no passado, ainda que nos detalhes. É só ouvir com cuidado para perceber.

O lado soul do banda aparece com mais evidência em músicas como a ótima “The Home” e a intensa e carregada “Mornings”, que fecha muito bem o álbum. Inteligentemente, Portugal. The Man deixou as baladas para o fim do disco. A galera mostra-se também competente quando desacelera. Além de “Mornings”, o pessoal do Alaska produziu outra excelente e tocante composição com título auto-explicativo, “Let You Down”. O piano marcado e repetitivo ajuda no clima de melancolia, reforçado pela voz doída de Gourley. Para noites à base de vinho e boa companhia.

Não sei se Portugal. The Man acaba aqui, com esse disco, sua busca por uma sonoridade que esses norte-americanos possam chamar de sua. Mas, o fato é que encontraram em The Satanic Satanist um caminho consistente e, de quebra ainda, afinaram a criação, com melodias inspiradas e de muito bom gosto. Se eles continuarem nesse rumo, os ouvintes só têm a agradecer. Eu do meu lado só espero, pacientemente, que o trem se mantenha nesses trilhos. Assim sendo, estarei numa estação qualquer para pegá-lo.

Cotação: 4

Embarque nessa:

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Santa fidelidade

Na culinária popular brasileira, o trivial feijão com arroz ocupa um lugar de destaque. Virou substância cotidiana e eficaz pra defenestrar o fantasma da fome que ronda secularmente as mesas tupiniquins. Velhos amigos e conhecidos nossos. Os dois. Transformavam-se em guerreiros nos pratos de alumínio das crianças sem brinquedos quando, amalgamados com as pontas dos dedos miúdos, viravam soldados imaginários a lutar em fileiras. Brincar de capitão, dizia-se então. No linguajar do dia a dia virou também expressão praquilo que é comum, sem muita frescura. Dinosaur Jr. é por aí, feijão com arroz. Da melhor qualidade.

Quem conhece um mínimo da história do rock alternativo, sabe que J. Mascis, Emmett Murphy e Lou Barlow faziam um rock direto e inspirado. Bateria, guitarra e baixo barulhentos a serviço de canções com frescor e alto poder garageiro. Eles nunca mudaram muito em sua trajetória de 24 anos, apesar das longas paradas, uma delas com duração de uma década(1997-2007)!. É Feijão com arroz honesto, bem substancioso num universo, o indie, propenso a malabarismos e sonoridades estrambóticas. Eles retornam com Farm(2009), dois anos depois do último trabalho, Beyond(2007), fazendo com a mesma competência de sempre o mais do mesmo.

Na fazenda do Dinosaur Jr., é produzido um rock com apetite jurássico, fincado firmemente na garagem, com o barulho e a despretensão típicos do gênero que alimentaram muitas bandas no fim do século passado e alimentam até hoje. Essa energia garageira, misturada a uma poesia objetiva, ganhou muitos adeptos e fãs, a ponto da banda norte-americana virar objeto de culto, uma referência a ser seguida por outros garotos – a exemplo dos que montaram grupos como Built to Spill e Buffalo Tom – na busca de simplesmente se divertir com música. O trio e seus integrantes tornaram-se involuntariamente espécies de semi-deuses no Olimpo dos que curtiam o indie rock.

É louvável como 24 anos depois do debut, Dinosaur (1985) e do seminal You’re Living All of Me(1987), Mascis e companhia mantém fidelidade a esse rock`n`roll direto, inflamado, ora com ecos punk, escola desse vocalista e band leader, ora com um acento mais pop. Tudo com muita garra e desprendimento. Abra a garagem e sinta a lufada vigorosa de “Pieces”, música que inicia bem o disco com sua levada mais pesada e solo de guitarra superbacana. Uma das melhores e mais viciantes de Farm. A energia continua solta, e a guitarra também, com a bonita e mais pop “I Want You to Know”, com melodia contagiante e que remete aos momentos mais delicados e inspirados do Jane`s Adicction, outra banda de alta voltagem. Mesmo exemplo da deliciosa “Your Weather”, com bateria precisa e tintas fortes. Claras cores dos anos 90.

Mais objetivas e sujas, “Over It”, “Friends” e “There`s no Here” são pequenos e preciosos petardos juvenis, que podem figurar garantidamente no set list de festinhas animadas. Numa linha mais bluezzy, “Said the People” com seus quase oito minutos é uma balada de cortar o pulso, com Mascis cantando com a alma exposta e pedindo salvação para um coração dolorido. Menos introspectiva, mas também, a meu ver, um outro grande destaque do disco, “Plans” começa com cordas climáticas para, num crescendo, desaguar numa linda composição de melodia grudenta e memorável.

Farm é mais um atestado da perenidade musical da veterana Dinosaur Jr., uma banda que não precisa remar a favor de modismos. Basta somente seguir viajando em linha reta no trem que os colocou nos trilhos da história. Ser simples, direto e honesto num momento musical franco-atirador, onde vender espalhafato e levar vida desvairada virou passaporte para ter sucesso na mídia, é uma atitude ironicamente corajosa e, no mínimo, madura. E maturidade, dá pra perceber no final da audição desse disco soberano, aquela boa e velha banda tem de sobra.

Cotação: 4

Aperte o play:

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Movimento sem tradução

Tem anta, caititu, jandaia-sol, buriti. Tem taperebá, murici, bacaba. Misteriosa pedra pintada de arquitetura graciosa e o canto dos índios, invocando deuses. Nações múltiplas, tantas cores e etnias. Wapixana, macuxi, taurepang, waimiri-atroari. Penas de arara. Caxiri e pajuarú, vinhos indígenas para ver melhor a lua. E antes do almoço, para ficar pensando melhor. Tem rios volumosos repartindo verdes. Sei pouco da cultura seminal de Roraima. Mas, rio e mata, terra e peixe, natureza com DNAs expostos e outros a serem descobertos por cientistas sedentos por conhecimento, definem a alma desse estado tão pouco conhecido. Sou um ignorante assumido, uma partícula imberbe no meio de toda essa impactante roraimeira.

Roraimeira é o nome do documentário de Thiago Briglia, um jovem jornalista aqui de Boa Vista. O segundo longa dele, também contemplado (o único do estado) pelo projeto DOCTv, uma bela iniciativa da TV Brasil de estimular visões documentais da realidade. Roraimeira é também o nome de um pretenso movimento cultural que floresceu aqui no começo dos anos 80 da década passada, capitaneado por três músicos, três verdadeiras instituições boavistenses: Eliakin Rufino, Zeca Preto e Neuber Uchôa (os caras ao lado em foto de Jorge Macedo). Sou também ignorante nessa história e por isso fui com muita expectativa assistir à pré-estréia do documentário no Palácio da Cultura, um prédio com traços modernos encravado nas margens da Praça dos Três Poderes local.

Quis entender, mas saí cheio de interrogações. Qual a real dimensão da Roraimeira? Até que ponto aquele momento cultural pode ser considerado um “movimento” na acepção plena da palavra? De que forma ele repercute nos dias de hoje? O documentário me frustrou com todos seus hiatos e sua capa tendenciosamente bairrista. Havia uma claque na hora da exibição. Amigos. Amigos dos amigos dos produtores, do diretor, dos fãs dos artistas – agentes centrais da obra -, do diretor, ovacionado efusivamente durante vários momentos. Havia autoridades, preparadas para aplaudir com sua postura oficial. Um acontecimento e um final feliz: aceitação geral da obra. E a consequente pergunta na minha cabeça frustrada com o que viu: o diretor fez Roraimeira para aquele público previamente conquistado?

Mais perguntas. Que público Thiago Briglia quis atingir? Por que aquela sensação inquietante de que Roraimeira, o filme, não fez jus ao tema que quis destrinchar? Adianto: sou ainda estrangeiro aqui. Vivi algumas temporadas intensas no estado e conheço algumas poucas características do roraimense e sua cultura. Mas, tenho um carinho muito grande por Roraima e quero estreitar esse relacionamento afetivo. Pensei que Roraimeira podia ser uma dessas portas. Oba, pensei, vou me enraizar um pouco mais na história do estado e assim me arvorar no futuro em falar de onde escolhi morar com alguma propriedade. Mas, para um estrangeiro como eu – e, por favor, contabilizem minha capacidade de compreender o mundo ao meu redor – o documentário não funcionou.

Explico. Roraimeira teria sido, a grosso modo, um movimento cultural cujo objeto de devoção é a cultura e a natureza exuberantes do estado. Frutos, peixes, árvores, índios, as cores e belezas naturais cantadas e expressadas em versos, prosa, dança, telas. Esse caudaloso objeto, e suas infindas possibilidades, ficou contudo mascarado no vídeo. Senti falta das aspas, de respiros que traduzissem objetivamente a inspiração que levou Eliakin, Zeca e Neuber a criar o dito movimento.

Que peixes, frutos e pássaros de nomes sonoros são esses, que paisagens deslumbrantes são essas que recheiam e alimentam a cabeça dos poetas? As imagens ficaram sobrepostas ao discurso. Um discurso que a ouvidos estrangeiros somente instiga a visualização da cultura “roraimeira”. Ao sair do território local e viajar pelo Brasil, o filme vai perder a força por não clarear – ou pelo menos tentar – o universo que ele indiretamente trabalha. O documentário, enfim, não parece ter sido feito para todos os brasileiros, apenas para a geografia local com sua bela gramática roraimense, com todos seus signos ali sem tradução.

E aí, eu volto para uma outra questão, já colocada antes. Se o movimento teve mesmo a força de um acontecimento do tipo – e me permitam o direito da dúvida por, insisto, desconhecimento de causa – ele com certeza teria se refletido em outras expressões artísticas, além da música, onde pelo visto fincou o pé com mais fortaleza. Mas, a participação reduzida no filme de uma coreógrafa e de uma artista plástica não contribuiu muito para testemunhar a verdadeira extensão do movimento. As intersecções entre música, dança e artes plásticas não ficaram muito claras. Faltou assim, a meu ver, uma unidade, uma homogeneidade na mensagem proposta. Como peças de um móbile sem os fios para as interligarem.

Legal as cenas dos talentosos artistas do movimento cantando para uma platéia abancada em beira de rios, em pedras à margem de aldeia. Bacana a honestidade despudorada de Zeca Preto e a verbalização de Eliakin que erroneamente – pausa para um contraponto – disse que o Roraimeira teria sido o último movimento cultural do século passado no Brasil. Eu lembraria do mangue beat, de Pernambuco, no início da década de 90, que, com seus tentáculos, ainda ecoa até hoje. Valeu ainda pela coragem de Thiago Briglia que encarou o desafio com as inúmeras dificuldades que, com certeza, teve pela frente. Mas, a Roraimeira ainda espera uma tradução mais precisa de sua existência. O tempo e a força da idéia, acredito, vão se encarregar disso.

Atenção para os dias e horários de exibição do Roraimeira na TV Brasil e em Boa Vista. Não deixem de assistir:

27.08.2009 (quinta-feira)
22h na TV Brasil - Canal 2 - Exibição Nacional

28.08.2009 (sexta-feira)
16h na UNIVIRR

31.08.2009 (segunda-feira)
19h no Cine Sesc

O retorno das almas barrocas

Falar de João Bosco é de uma responsabilidade tremenda. Eu, quando jovem, me perdia na encruzilhada rítmica do cantor e compositor mineiro que me turbilhonava ainda mais a cabeça com seus floreios vocais esquisitos que, soube depois, tinham sabor negro. Fazia músicas lindas, eternas, ele e o parceiro de guerra Aldir Blanc. Lembro de escutar “Mestre Sala dos Mares” e “De Frente pro Crime”, na época ainda do velho vinil compacto, o único disco levado junto a uma vitrolinha portátil à base de pilhas para um sítio no interior do Ceará num fim de semana besta. Uma noite inteira ouvindo aqueles dois clássicos a luz de lampeões e embaixo de um céu opressivamente estrelado. Primeiro contato catártico com a poesia urbana e amorosa dos dois.

Virei fã de Bosco e de Aldir. Acompanhei a carreira dos caras e fiquei até um pouco enlutado quando, no fim da década de 80, os dois, por incompatibilidade de gênios, romperam a parceria. Um pra lá, o outro pra cá. 22 anos depois veio a notícia que os dois reataram, enterraram enfim as diferenças e resolveram fazer um bem necessário à música popular brasileira. Os primeiros lampejos de luz desse auspicioso retorno estão registrados no novo álbum de João Bosco, de nome comprido, mas belo e definidor do seu conteúdo: Não vou pro Céu, mas já não Vivo no Chão (2009).

Uma boa notícia em dose dupla. A outra é que Bosco pôs no mundo um CD de inéditas depois de longos sete anos de gestação. A dupla ajuda a fazer de Não Vou pro Céu... um dos grandes disco do artista mineiro, uma obra maiúscula e tão prenhe de elegância e sensibilidade que chega a emocionar. Meu pobre coração é bobo para tamanha carga de beleza que o álbum oferece. Uma beleza que parecia perdida na carreira do compositor, cujos últimos trabalho de estúdio, Na esquina (2000) e Malabaristas do Sinal Vermelho (2003), pelos menos a mim, não convenceram. Eram bons discos, mas não tão inspirados.

E agora, junto com Blanc, a inspiração voltou. Intensa. Com o antigo parceiro, fez quatro biscoitos finos que estão no disco. Três deles recuperam o brilho e a harmonia dos tempos de “Bala com Bala”, “Gol Anulado”, “Linha de Passe” e tantas outras grandes canções. O samba lento “Navalha” mistura espiritualidade e paixão em uma letra e melodia felizes. “Ai, eu fui crucificado nos cravos do teu amor/Não me lembro de outra coisa que causasse tanta dor”, canta um Bosco comedido e maduro.

“Navalha” nasce clássica assim como a delicadíssima “Mentiras de Verdade”, que cita frase de "Cansei de Ilusões" música de Tito Madi com pequena mudança de letra e que traz ainda um belo diálogo entre violão e guitarra. A terceira é “Sonho de Caramujo”, por meio da qual entendemos um pouco o silêncio de sete anos de Bosco. “Cumpri o astral de caramujo musical: eu gripo ou canto/ não vou pro céu mas já não vivo no chão eu moro dentro da casca do meu violão”. Menos inspirada, a intimista “Plural Singular”, não desmerece de qualquer jeito essa reunião.

Francisco Bosco, o filho do cara, é o parceiro mais corrente no disco. Bom poeta, Chico, como o pai lhe chama, é co-autor de outra grande composição do álbum, “Tanajura”. Aqui, o velho Bosco volta com suas junções de expressões sonoras que parecem criar uma nova língua, uma herança assumidamente negra. “Se bole seu balaio/Me bate na moleira/Me abala feito raio/Seu bumbo de primeira”, canta ao som de uma percussão e violão monocórdicos que hipnotizam como um batuque. É da mesma lavra da sensacional “Jimbo no Trio”, parceria inusitada com Nei Lopes, que fala sobre um tocador de trombone que bota todo mundo pra dançar com suas fusões rítmicas. “E o jazz e o samba e a milonga e o tango e o candombe/E a rumba e o mambo, tudo é lá do congo”, interpreta Bosco em composição moderna e suingada.

O que se vê no último Bosco, por fim, é um homem amansado pelo tempo, sentado serenamente à sombra de seu imenso talento. Um artista que recupera o refinamento de outrora, refreando os floreios vocais que eram uma assinatura pessoal, explorando mais as linhas do sambajazz e buscando na simplicidade do arranjo o ponto de interseção com a harmonia melódica. A quase valsa “Desnortes”, dele e do filho Chico, e a linda “Pronto pra Próxima”( essa dividida com Carlos Rennó) traduzem uma complexidade e elegância musical que ajudam a garantir a inscrição de Não vou pro Céu... na lista dos melhores discos do MPB do ano. Eu diria mais, do alto de minha inquestionável rendição, é um dos grandes álbuns de música brasileira da década.

Cotação: 5

Vá pro céu:

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Trilha pra fantasias

É porque a gente não pára pra pensar. Mas, esse mundão imenso é como uma caixinha de surpresa musical, tal é a quantidade de ritmos, gêneros, batidas, tambores, cordas, barulhinhos exóticos e inusitados. Faz-se rock do Brasil à Cochinchina. Da Estônia à Bariloche. E, muitos de nós, dentro de nossos casulos, não nos plugamos no que é produzido lá fora. Mas, apertemos a tecla “se ligue”. A internet taí para nos aproximar de todo esse universo. Conheci há dois anos uma banda islandesa chamada Múm, que faz post-rock, música experimental ou algo que o valha. Grupinho legal, que vale o investimento de nossos ouvidos, e que acabou de lançar Sing Along the Songs you Don’t Know(2009).

Pois é, alguns leitores desse blog devem pensar: rock da Islândia? Temos alguns exemplos relativamente famosos de bandas deste país que conquistaram renome internacional. Para lembrar: Björk e Sigur Rós. Como esses dois, a Múm faz um som experimental, cerebral, onde a utilização de instrumentos diferenciados e a melodia quebrada e que explora a atonalidade tornam a audição mais complexa. Mas, é um desafio que vale a pena encarar. Afinal, somos ratos ou homens? E Sing Along... não está exatamente entre aqueles trabalhos chatos nos quais o artista fala mais pro seu umbigo do que pros tímpanos de nós, pobres mortais.

Desde 2000, quando lançaram Yesterday Was Dramatic - Today Is OK, a Múm caminha pelo terreno do experimentalismo, de um rock que luta contra rótulos. O primeiro álbum que ouvi deles foi o elogiado Go Go Smear the Poison Ivy (2007), no qual a instrumentação e canções chegaram a me assustar. Coisa de doido, pensei logo ao primeiro impacto. Neste quinto trabalho, a turma parece ter arrefecido um pouco a sanha experimental. Há, inclusive, instantes em que eles soam até mesmo convencionais (como se isso fosse possível em se tratando desse grupo), como em “Blow Your Nose”, uma linda canção de ninar com um violoncelo cortante, e “If I were a Fish”, toda climática e com tessitura de sonho.

Múm faz uma espécie de trilha sonora para filmes de fantasias, do tipo O Labirinto do Fauno e da encantadora série O Senhor dos Anéis. As canções são quase todas delicadas, algumas beirando a melancolia, como a quase folk “Last Shapes Of Never”, uma das mais bonitas do CD, e a estranha “Illuminated”, com uma orquestração de cordas de arrepiar. Mas, a grande maioria do álbum é feita mesmo de canções serenas, que não invocam tristeza, apenas magia. Casos do samba de criolo doido "The Smell Of Today Is Sweet Like Breastmilk In The Wind” e de “Show Me”, na qual ficam evidentes os toques de eletrônica sutis – e que fazem algumas publicações rotularem erradamente o grupo como “eletrônico” – que permeiam todo o trabalho da banda.

Colaboram para esse clima mágico e sedutor(prepare-se para nomes impronunciáveis), a voz fantástica e aveludada de Kristín Anna Valtýsdóttir, acompanhada em vários momentos pelo coro masculino de Ásthildur Valtýsdóttir e Olof Arnalds, este responsável também pelos trompetes e teclados, e ainda os bons instrumentistas Hildur Guðnadóttir (cello e vocal) e Samuli Kosminen (percussão).

Toda essa galerada e mais alguns convidados são os operários, a base instrumental das canções de Örvar Þóreyjarson Smárason e Gunnar Örn Tynes (os dois caras aí do lado), os únicos integrantes fixos do grupo, criadores da sonoridade às vezes onírica às vezes estranha do Múm. São os artífices talentosos dessa banda que fez de Sing Along... um álbum de música experimental delicioso e cativante. Desses que vale a pena ser tocado no amanhecer e no crepúsculo tardinho, horas em que estamos mais propensos para refletir, quer seja para instigar o cérebro quer seja para domar o espírito inflamado. Uma pausa certeira para a delicadeza nesta nossa mui corrida e aloprada vida.

Cotação: 4

Experiencie os islandeses:

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