Solto na buraqueira

Gustavo Lamartine(o cara da foto ao lado) é um dos compositores mais talentosos da nova geração potiguar. Nova, na verdade, em termos. O caba faz música desde o final dos anos 80 do século passado. Começou com a saudosa General Junkie, um dos ícones da história do rock daquele estado, sempre ao lado do figuraça Paulo Souto, parceiros de doideiras e criação ilimitada. Duo da melhor qualidade.

Depois de alguns projetos musicais criados para incendiar a noite de Natal, Gustavo e Paulo criaram a DuSouto (http://www.dusouto.com/), atual formação(mais Joab Quental, Gabriel Souto e Júlio Castro), que faz um mix de eletrônica, rock e ritmos regionais. Depois de passarem por alguns festivais nacionais, chamando a atenção da crítica especializada, como o Humaitá pra Peixe, assinaram com a Nikita Music e botaram na roda o elogiado disco de estréia, que leva o nome da banda.

O lado da influência regional da dupla, que sempre me agradou mais e que, afinal, acaba sendo o diferencial do que se faz no Brasil inteiro, é o que salta na música “Moro na Esquina”, de Lamartine que, solo, inscreveu essa composição no simpático e boêmio festival MPBeco, no Beco da Lama, um dos pontos mais undergrounds e acolhedores de Natal. Com sua levada carimbó, ou algo parecido, a música é super-animada e tem um refrão contagiante. Deixo o link para baixar a música. Vá lá e curta:

http://mail.google.com/mail/?ui=1&attid=0.1&disp=attd&view=att&th=11a5574167b0937e

Cotação: 4

Filhos do Pavement

Dentro do dilatado mundo do rock e seus subgêneros, o indie rock talvez seja um dos que tenha as traduções mais difusas e complexas. Afinal, não é novidade, a crítica adora rotular e as muitas variações perpetradas naquele universo permitiram a criação de novas qualificações, com fronteiras tênues, do tipo “indie pop”, “lo-fi”, “noise pop”, “college rock”, “art rock” e por aí vai.

Mas, há uma escola indie que definiu uma linha bem clara de som e que tem como ícones bandas como Guided by Voices, Hefner, Sebadoh e a grande Pavement. Indie rock por excelência, esta última surgiu como uma alternativa ao rock maisntream, marcado pelos solos de guitarra pomposos ou por baterias alucinadas. Ali, valiam mais as idéias e menos a técnica. Cordas mais displicentes, bateria mais marcada e vocais relaxados, com variações de tonalidade e afinação indisciplinadas.

Dessa escola, surgiram “trocentas” bandas. Alguns fizeram um up-grade do som de Pavement, mixando outras sonoridades. Outras seguiram o que o mestre mandou com poucas variações e teve aquelas que, mesmo com forte eco, inpuseram um pouco de personalidade na música que compunham. Nesse último caso se inclui uma banda californiana chamada Oranger que, em pleno anos 2000, patinaram deliciosamente no bom som feito na década de 90 do século passado.

Da galera, ouvi o que parece ter sido o último álbum da banda, o terceiro da carreira, chamado New Comes and Goes (2005). O disco é um pequeno achado, uma dessas jóias perdidas que, apesar de ter uma e outra bobagem, apazigua os ouvidos. A boa influência do Pavement está em músicas como "Drake" e "Sukiaki", aqui com levada mais pop, mas foge dessa onda em canções como “Outtatouch”, com um jeitão Velvet Underground(o pai de toda essa moçada) de ser. Outra boa pedida é “Crones” , um rockinho desavergonhadamente - desculpem - indie, e a balada monolítica "Haeter". Enfim, uma novidade que, infelizmente, do mesmo jeito que veio, foi.

Caia no indie:

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Cotação: 3

Música maiúscula

O primeiro contato com Cida Moreira provocou em mim um misto de torpor e encantamento. Imberbe e estreando na grande metrópole de São Paulo, confundia-se em mim ao ouvir Abolerados Blues(1983) o espanto diante da grande cidade e a descoberta de uma música inconformada e em ebulição. Cida me escancarou as portas e janelas para a chamada vanguarda paulista. Depois dela conheci o grupo Rumo, o gênio Itamar Assumpção e Arrigo Barnabé, que apesar de ser de Londrina, fez base em Sampa.

De Abolerados Blues – onde a intérprete e atriz cantava desde música de cabaré, “Surabaya Johnny” até uma fantástica versão de Caetano Veloso para poema de Maiakovski, “O Amor” – até os dias de hoje, Cida viajou pelo universo da MPB mantendo sempre uma coerência e repertórios coesos. Seu último trabalho, Angenor(2008), traz porém a seleção mais equilibrada e refinada entre todos os trabalhos – um dos seus melhores, com certeza - já gravados pela artista.

Em Angenor, de Angenor de Oliveira, nome de batismo do ícone Cartola, Cida baila em cima de 16 canções do mestre. Foge de obviedades, como a clássica “As Rosas não Falam”, para apresentar um repertório que passa por clássicos indiscutíveis como “Cordas de Aço” e “Acontece” e vai de encontro a músicas desconhecidas e fantásticas, como a toada trágica “Feriado na Roça” e a linda “O Silêncio do Cipreste”. Tudo muito orgânico, graças a arranjos delicados, calcados em cordas de violão e piano e a voz soberba, maturada e sem os arroubos teatrais de outrora da cantora. É Cida inteira num álbum que traz à tona, com muita honestidade, a música maiúscula e atemporal de Cartola. Irrepreensível.

Vá, sem medo de ser feliz:

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Cotação: 4

Bendito tango

Só sei que sei muito pouco sobre tango. Sei muito que nós brasileiros, não se sabe porque cargas d’água, sempre vivemos de costas para os sons produzidos pelos nossos vizinhos sulamericanos. Uma tremenda burrada. Nossas antenas musicais, como Chico Buarque, Caetano e Milton Nascimento tentaram crossovers no passado visitando a praia lírica de Pablo Milanez, Victor Jara e Mercedes Sosa. Mais recentemente, bandas como Os Paralamas do Sucesso apresentaram grupos como Los Pericos e integradores como Paulinho Moska divulgaram nomes como Jorge Drexler e Luciano Supervielle . Muito pouco para o rico universo musical produzido pelos hermanos.

Às vezes fico com a consciência pesada com relação a esse desconhecimento. Se antes era difícil ter acesso à bagagem sonora da sulamérica, devido a um mercado voltado para produtos nacionais e cantores do mainstream norte-americano e europeu, com a internet a gente não tem desculpas para dar. E foi sapeando na grande rede que dei de cara com Daniel Melingo, um dos muito nomes argentinos que exercitam e renovam o mais radical e apaixonado ritmo daquele país.

De Melingo ouvi Maldito Tango(2007). Mas, o que dizer deste álbum se sei tão pouco sobre o tango? O fato é que meus ouvidos se extasiaram. A voz rouquenha e oldfashioned do argentino, que mistura a potência dos exímios e mui conhecidos intérpretes de outrora, como Carlos Gardel, ao despojamento de roqueiros subversivos como Nick Cave, impressiona pela entrega. Mas, não é isso que é o tango, pura entrega?

Melingo, um ex-roqueiro que fez sucesso em Buenos Aires na década de 80 com a banda Los Abuelos de la Nada visita a face mais tradicional do ritmo, como em “En un Bondi de Color Humo” e em “A lo Magdalena”, mas investe também em experimentações, como na estranha “Pequeno Paria”, com direito a teremin, e em profundas viagens melancólicas de tempero jazzístico e com belo arranjo de cordas, a exemplo da linda “Eco il Mondo”. Tudo sem ceder à tentação de modernizar sua música com toques de eletrônica. Mesmo assim, o tango de Melingo é moderno e subversivo, uma talentosa ponte entre tradição e contemporaneidade. Uma delícia de se ouvir.

Tangue-se:

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ou:
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Cotação: 5

Sem sair do quintal

My Morning Jacket é um patrimônio do rock alternativo. Nunca chegaram a fazer grande sucesso, mas se mantiveram incólumes e respeitados no coração dos fãs mais tradicionais do gênero graças ao seu country rock honesto. Durante dez anos, completados em 2008, a banda foi fiel ao som com cores setentistas, sem se bandear para novidades e “mudernices”. Ou seja, nos 4 anos produzidos naquele período os caipiras norte-americanos do Kentucky não esqueceram suas raízes.

Em Evil Urges(2008), o quinto da carreira e com lançamento previsto para o início de junho, o grupo tenta até sair do quintal do country rock, como em "Highly Suspicious”, com toques tímidos de eletrônica. Mas, essas experiências não tiram os rapazes do velho caminho. A tradição fala mais alto em "I'm Amazed", direto da fonte roqueira que os tornaram queridinhos no mundo alternativo, na boa "Thank You Too" e na excelente "Sec Walkin", com guitarra lânguida e delicioso coral feminino gospel.

Os temas também são recorrentes: amor, inocência e um cotidiano sem asperezas e filosofismo. E no tom normal, sem o falsete que emprega em algumas canções que canta ao lado dos companheiros do grupo, a voz de Jim, comparada em seu eco caipira ao registro de Neil Young, só trazem a tona impressões daquele mundo rural norte-americano distante da ansiedade e do corre-corre das grandes metrópoles. Vide as belas baladas “Librarian” e “Look at You”. Com um som explicitamente ianque, o álbum se destaca pela singeleza e poética. Para ouvir sem preconceitos.

As opções para esse passeio country rock:

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ou

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Cotação: 3

Duo descarado

A banda The Indelicates tem sido bastante comentada nos blogs afetos ao indie rock. O nome da banda já me interessou de cara. É provocativo como o som proposto pelo duo inglês formado por Simon Clayton e Julia Clark-Lowes, ex-Pippetes. Já se imaginou você se autodenominado de “indelicado”? Mas, no fundo é o que são os dois ingleses nas letras sarcásticas e cheias de referência ao mundo efusivo dos rockstars, como em “Heroin” e “We Hate the Kids”, presentes em American Demo(2008).

O som de estréia da banda é considerado por muitos como indie rock. Mas, vai além disso, fugindo de enquadramentos mais caretas. É que os indelicados atiram para muitos lados. Tem desde o indie puro, com melodias alegrias, como em “Our Daughters will Never be Free” e “Julia We don’t Live in the 60’s”, até o rock desencanado e dançante de "The Last Significant Statement to Be Made in Rock 'n' Roll", passando pela mais hard “America”, com seu refrão ganchudo, e a delicadeza art-rock de "New Art for the People", com maravilhosa melodia.

Essa infidelidade a um gênero musical não tira, como poderia ter acontecido, a organicidade do trabalho. E isso é ajudado pela opção do duo de cantar parte das canções separadamente (em algumas delas exercitam um dueto), reforçando a graciosa diversidade sonora de American Demo, com destaque para a afinação de Julia. Sem querer ser indelicado, essa dupla, com suas melodias inteligentes e atitude musical, bota pra f...

Parta pra cima:

http://www.badongo.com/file/9586762

ou

http://www.4shared.com/file/45853041/a2e5f449/Indelicates_-_American_Demo.html

Cotação: 3

Anestésico sonoro

Ketamine, ou cetamina, é um poderoso anestésico que já foi usado como droga alucinógeno por jovens num período da história americana. Uma irresponsável experimentação de químicos, diga-se de passagem. Lag, por sua vez, é como é conhecido um pequeno “pau”(por favor, nada a ver com a genética japonesa) que deixa os computadores mais lentos e com conexão oscilante. As duas expressões em questões tem a ver um pouco com o projeto solo Katamine e seu primeiro CD, Lag(2005), que ouvi recentemente e resolvi apresentar para meus parcos leitores.

Katamine é uma proposta musical de um israelense chamado Assaf Tiger, que diz fazer um “noise acústico”. Isso se traduz, na realidade e sem viagens umbigo adentro, em um folk acústico bem climático e minimalista. Algo parecido com o que fez, guardando as devidas proporções, Nick Drake e Ellioth Smith, este com o qual Assaf chegou a trabalhar junto. A diferença é que em Tag, violões e guitarras acústicas são mais soturnas e cerebrais como na tristíssima “No Wonder We’re Damaged” e na bela “Junior Buddha”.

Mas, o estranho mundo de Assaf abre espaço para clareiras como na mais roqueira “Pulse Song” e na lírica “Someone Came Around”, com violão arrebatador(sim, o cara também toca muito, além de mandar bem como compositor). O folk carregado do israelense é bom para relaxar e viajar, uma incursão na placidez sem provocar estupefação. Música anestésica como o ketamine e introspectiva na medida da compreensão geral que vai além do imaginário do artista.

Folke-se quem puder:

http://sharebee.com/ac45a9f8

Cotação: 3

Rock como prato principal

Muita gente torceu o nariz para este Momofuku(2008), o novo álbum de Elvis Costello, acompanhado dos bons companheiros da excelente banda de apoio The Imposters. Tudo porque ele se desviou daquela linha mais clean e intelectual que marcaram alguns álbuns de sua versátil carreira: coisas do tipo gravar canções eruditas com o camerístico The Brodsky Quartet(The Juliet Letters - 1993), com o romântico maestro Burt Bacharach (Painted from Memory - 1998) ou, mais recentemente com o pianista e compositor Allen Toussaint(The River in Reverse - 2006). Tudo bem que todos esses são ótimos álbuns, mas eu já estava com saudade dos tempos de Costello mais rocker e raivoso dos bem legais My Aim is True(1977) e This Year’s Model (1978).

E rock and roll é o suculento prato principal de Momofuku. O rock de arena “Go Away” é descaradamente básico, com tecladinho à la anos 70 e guitarra pulsante. E o bom e velho ritmo continua comendo solto na primeira parte do álbum com a animada “No Hiding Place” e a excelente “American Gangster Time”, com instrumental despachado e vibrante. Mais adiante, Costello ataca com um som mais pesado na fantástica “Stela Hurt”, um dos pontos altos do trabalho. Mas, para quem prefere o cantor da fase mais cool, ele adoça os ouvidos com a linda "Flutter and Wow", a jazzística "Mr. Feathers" e a balada sensual "Harry Worth".

Pena que Costello não chutou o balde de vez atacando somente com seu rock matreiro e disfarçadamente despretensioso. Mas, essa cafungada no passado já faz desse um disco raro, delicioso e potente. Elvis é f...

Tente:

http://www.mediafire.com/?0j3jgwrjhum

Cotação: 4

Caminho torto

É sempre bom se deparar com bandas que buscam um caminho diferente para o rock'n roll. Os norte-americanos do Colour Revolt enveredam-se por uma trilha tortuosa, um post-grunge repleto de guitarras sujas e melodias com andamento diferenciado que não foram feitas agradar o gosto médio dos ouvintes. É o que está explícito no primeiro álbum dos caras, o interessante Plunder, Beg and Curse(2008)

“Naked and Red”, a primeira música do disco, já é sintomática. Com guitarras pesadas, bateria acelerada, a composição começa mais palatável para terminar numa apoteose raivosa do vocalista e dos instrumentos. O restante do álbum radicaliza um pouco mais em sua irruquieta excursão sonora. É recheado de tensões e distensões, com muitas cordas distorcidas e um certo inconformismo musical, o que dificulta a classificação de Plunder, Beg and Curse e o torna um trabalho que exige várias audições para se situar na mente da galera.

Não raro, os andamentos das músicas, a princípio convencionais, acabam surpreendendo lá na frente, como em “A Siren”, uma das melhores do disco, um indie mais suave que se transfigura numa canção gritada e explosiva e na não menos irrequieta “Swamp”. Em outros momentos, como em “Elegant View” e “Ageless Everytime”, o grupo se utiliza de um ritmo mais low-fi e com instrumentação dissonante para criar um clima de desolação, estranheza e desespero. Esses meninos, tenham certeza, têm algo a dizer.

Vejam se vocês concordam:

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Cotação: 4

Combustível para a alegria

A impressão que eu tenho das pouquíssimas bandas suecas que conheço é de que aquela galera vive num mar de rosa. E vai ver que, num país com uma elevada renda per capta, pode até ser que essa sensação não esteja muito longe da realidade. Mas, tal sentimento me vem, sobretudo, pelo som alegre e ensolarado de grupos como a adorável e subestimada The Cardigans e agora deste Pacific!

A quase dance “Number One”, música de trabalho de Reveries(2008), debut dos suecos, já anuncia a disposição dessa moçada de animar o ouvinte. Pra cima, do começo ao fim, o álbum passeia, sem medo de ser feliz, entre o dance, o synth-pop e o indie-pop. “Disappear” é um electro envolvente com direito até a castanhola no refrão. “Sunset Boulevard” é trilha sonora perfeita para manhãs ensolaradas, com sua elevada carga romântica e incurável, entendam, “brejeirice”.

Já “Runaway to Elsewhere” é uma música instrumental que aproximam Pacific! dos franceses do Air, com quem são muitas vezes comparados. Mas, não levem essa identificação muito a sério. A banda aqui em questão é menos densa e pretensiosa, apostando numa levada mais lúdica, como pode ser percebida na deliciosa “Hold Me”, um indie-pop-descarado.

Nem pensem em Pacific! para animar granes festas racha-assoalhos, mas, com certeza, o bom som que fazem cabe muito bem numa reunião como um belo combustível para um desejado e delicioso encontro alto astral entre amigos. Bem legal!

Ponto pacífico para a alegria:

http://www.mediafire.com/?iwyocgrd1m7

Cotação: 4

No meio do caminho

Eles já foram anunciados como a promessa britânica de 2007 pelos críticos musicais da ilha. Com o álbum Wait for Me apenas bateram no travessão, mas demonstraram um frescor, na linha de Franz Ferdinand, Strokes e Kaiser Chiefs, que fizeram com que conquistassem muitos fãs no velho continente. Do lado de cá, neste terceiro mundim, o debut da banda The Pigeon Detectives também me impressionou.

Faltava o famoso segundo álbum para confirmarem o talento. Mas, Emergency(2008), com lançamento mundial marcado para este 26 de maio de 2008, não veio com o gás ensaiado por esses ingleses aloprados em sua estréia. Uma pena. Mas, mesmo assim não é um álbum de se jogar fora. Há boas idéias e uma jovialidade que valem ser citadas.

Mais bem produzido que o primeiro trabalho da turma, Emergency até que abre empolgante. “This is an Emergency” traz guitarras vibrantes e andamento que faz os pezinhos baterem irrrequietos no chão. Strokeniana e boa de pista, a segunda música, “I’m Not Gonna Take This” parece anunciar um disco coeso e matador.

Contudo, a alegria e eletricidade se perde entre uma ou outra balada sem graça, como é o caso de “Nothing to Do with Tou”. O bom pique e inspiração retornam mais tarde com "Love you for a Day(Hate you for a Week)", uma das melhores do discos. A sensação final, contudo, é que sem os brilhos dos congêneres citados no primeiro parágrafo, os “pombos detetives” precisam abrir mais as asas para alçar um vôo realmente convincente.

Dito isso, experimente:

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Cotação: 3

Discurso afiado

Sempre admirei André Abujamra. Principalmente porque há nele uma grandeza de coração e princípios traduzidos, em sua música, no desejo de ver um mundo sem preconceitos e mais tolerante. A universalidade e a defesa de um mundo solidário, de pessoas que se entendam como irmãos, independentemente de cor, língua e religiões, estão presentes em seus trabalhos desde o tempo do saudoso Karnak, banda emblemática e que marcou o circuito alternativo na década passada.

Depois do fim do Karnak, Abujamra lançou o ótimo O Infinito de Pé(2004) e agora, de forma independente, um álbum de nome esquisito: Retransformafrikando(2008). Neste último, ele carrega as mesmas preocupações éticas e estéticas. Estão aqui o bom humor de sempre e o texto direto, como em “Pangea”, em que ele lembra, para expurgar as diferenças, que a terra era um grande continente colado : “Angola, Senegal, coladinho no Candeal”, brinca. África em nós retransformada.

No álbum, Abujamra continua buscando referências da música do planeta. Há sons indianos, como na provocativa “Melhor é Menor”; há tambores e vozes africanas que remetem ao grupo vocal Ladysmith Black Mambazo, que Paul Simon fez conhecido em todo planeta no disco Graceland. Enfim, uma miscigenação muito própria de estilos, culturas e homenagens como em “Babaloo”, na qual cita o hit da nossa Ângela Maria, que torna o trabalho uma salada sensorial.

Homem do Brasil. Homem do mundo. Esse é Abujamra. E se Retransformafrikando não tem o vigor de seu álbum solo anterior, ainda assim é uma obra para se ouvir com atenção. Afinal, pode ter certeza, com aquele bom paulista você sempre aprende algo.

Retransformafrique-se:

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Cotação: 3

Lirismo acachapante

O Canadá é um país com tradição de bons cantores e compositores. Dos mestres Joni Mitchell e Leonard Cohen, até as revelações de gerações mais novas, como Rufus Wainwright(filho de pais canadenses), de quando em vez o mundo é surpreendido com um talento incandescente daquele canto do planeta. É dessa linhagem que despontou Gregory Hoskins, um intérprete e criador que me impressionou profundamente. Para o bem, é claro.

Pouco conhecido até nas rodinhas dos mais antenados, Hoskins acaba de lançar Alone In the Mayor’s House…Almost (2008), disco que pesquei em um blog bem legal intitulado “Lúcio Papeiro – Sensata”(www.luisxarope.blogspot.com), que passou a figurar entre os meus favoritos. Passional e confessional, o álbum – terceiro do cara lançado pelo selo Candyrat - me ganhou pelo acachapante lirismo das composições e a bela e afinada voz do cantor, de raro registro, que não deixa a dever ao já citado aqui Rufus.

O disco foi gravado numa casa secular em Ontário, a mansão do prefeito do título, em apenas três dias. E o clima da bucólica casa parece ter contagiado Hoskins. Intencionalmente acústico, o trabalho já me pegou de cara com a linda “Never a Stranger Kiss”, de cadência sensual reforçado pelo correto violão do cantor, e conquistou de vez com a intensa “Bittersweet” e a deliciosa “Beautiful Parade”, que remonta aos bons momentos da conterrânea Mitchell. Um álbum “cool” e sensível que o site do Lúcio traduziu mais brasileiramente como “bacanérrimo”. Concordo, amigo. Valeu pela indicação.

Encante-se:

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Cotação: 5

Sem Hoon, mas com rumo

Quando eu soube da volta do Blind Melon, banda californiana responsável por dois grandes discos em meados da década passada, fiquei temeroso. Pensei de cara em como o grupo voltaria depois da morte do vocalista Shanoon Hoon, vítima de overdose de cocaína depois da gravação do segundo trabalho da banda, o ótimo Soup(1995). Tudo bem que os bons guitarristas Christopher Thorn e Rogers Stevens, o batera Glen Graham e o baixista Brad Smith estavam aí para responder pelo retorno treze anos depois da separação.A novidade era o vocalista Travis Warren, que também toca violão.

Conecei a ouvir o disco For my Friends(2008) e as duas primeiras músicas só frustraram minhas expectativas de um trabalho que pudesse lembrar ao menos de longe uma das boas bandas da década de 90. Estava claro, já nos primeiros acordes de “Wishing Well” a intenção do grupo de tentar continuar onde parou. Mas, o vocal de Warren pendulando entre o registro suave e o mais rouco, lembrando às vezes um Perry Farrel, do Jane’s Addiction, dopado, nos faz ter saudade de Hoon do primeiro disco (“Blind Mllon, de 1992, que reouvi saudoso esses dias), antes dele se entupir de drogas.

Mas, como a esperança é a última que morre, segui ouvindo For my Friends. E, para minha grata surpresa, a banda mostrou vigor e inspiração inesperadamente nas músicas mais lentas, na contradança dos discos básicos da galera que apostavam num rockão mais pesado e sem firulas na linha de Grateful Dead. Do meio para diante, a bela “Last Laugh”, com bons solos de guitarras, e as excelentes “Tumblin Down”, com um diálogo entre teclado e guitarras bem legal, e “Sometimes”, com refrão matador, valem o disco.

Ah, observem como o álbum abre espaço generoso para as guitarras, característica indelével da banda. Sem mais delongas, vá:

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ou

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Cotação: 3

Cabeçudos desafiadores

Nossos pobres ouvidos não estão muito acostumados a experimentações sonoras. Esse universo musical, infelizmente, fica restrito a um público que tem uma bagagem que passa, só como exemplos, pela erudição de Bach e Bruckner e a modernidade de Bartok e John Cage. Os europeus, com sua milenar história, não estranham os exercícios pouco convencionais que alguns grupos do post-rock(expressão ussada para tudo que se faz de esquisito nessa área) realizam.

Uma banda emblemática desse segmento é a dinamarquesa Efterklang. Esse coletivo cabeçudo nascido criado em Copenhaguen, lançaram recentemente o álbum Parades(2007), o terceiro da carreira. É um trabalho denso, para ouvidos que gostam de um bom desafio. Ai você pensa: a tradução disso é mais um disco chato de doer. Na verdade, a audição desse trabalho depende de uma boa dose de paciência.

Com muita calma você poderá sentir a beleza de Parades. São onze canções etéreas, viajandonas, camerísticas. O coletivo está sempre acompanhado de instrumentos poucos usuais no mundo pop, como cello, trompete, violinos, tambores para criar uma cama sonora que ousa nas tonalidades e arranjos para chegara uma música espiritual, quase celestial. Para isso, se apóiam ainda em camadas de coros com vozes masculinas e femininas bem departamentalizadas e que fazem de músicas de nomes diferentes como “Frida Found a Friend”, “Him Poe Poe” e “Mimeo” pequenos pérolas.

Para começar de leve, vá primeiro de “Cutting Ice to Snow” e “Polygyne”. Músicas delicadas para se elevar.

Desafie-se:

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Cotação: 3

Energético global

Nos primeiros anos deste século quatro das bandas que eu mais escutava eram Asian Dub Foundation, Orishas, Rage Against the Machine e Nação Zumbi. As três primeiras vieram para animar nosso indigente mercado, refém das gravadoras que, na maioria das vezes, apostavam em agrupamentos medíocres e mais comerciais. Não era o caso, obviamente daqueles grupos que tinham em comum o mix de estilos, com um pé fincado na tradição e o outro na revolução. Globalização musical de responsa que não saía do meu aparelho.

Um deles, o ADF, acaba de lançar Punkara(2008). Nada de muito diferente do que o combo já fez até agora, mas ainda assim um álbum acima da média e com o vigor típico daquela galera. Estão lá as letras politizadas, os instrumentos indianos que caracterizam bem o som, como cítaras e flautas, a influência do punk, do ragga e da eletrônica. Tudo muito bem dosado, mas sem a inspiração dos dois, para mim, melhores trabalhos da banda: Rafi’s Revenge(1998) e Community Music(2000).

Apesar disso há o brilho sonoro do bom e velho ADF em composições como “Superpower”, com a clássica forma de cantar indiano, que lembra um lamento, abrindo a música, na mais pesada “Target Practice”, com sua guitarra raivosa, e, principalmente, na irresistível e dançante “Burning Fence”, com o ragga comendo solto, e no quase reggae “Ease up Caesar”, com sua levada mais pop e refrescante.

Ouça com atenção ainda “S.O.C.A”, um bacanudo instrumental que, num certo momento tem uma leve semelhança com a guitarrada paraense e o carimbó, num desses crossovers que este mundo, vasto mundo, deliciosamente permite. Sou suspeito pra falar de Asian Dub Foundation, mas como fã de carteirinha, aprovei o disco. Esse sound system é f...

Aí Krebão, vê o que você, fã confesso que nem eu daquela moçada, acha:

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ou:

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Cotação: 3

Camille Camille

Minha amiga Leilane, que tem a elogiável sede de descobertas musicais, já havia me alertado sobre uma cantora francesa chamada Camille. Me deu inclusive uns exemplares de composições da moça para que eu ouvisse. E me surpreendi com a qualidade do que foi apresentado aos meus também insaciáveis ouvidos. Muito boa essa parisiense, pensei cá com meus botões. Pois, a impressão positiva se confirmou no complexo Music Hole(2008), terceiro de inéditas dessa irrequieta artista.

Camille é compositora da maioria das músicas que canta. Destemida criadora. Em Music Hole, o que se vê é música de vanguarda, sem os excessos e chatices que costumam delinear este segmento. Ousada e corajosa, a bela francesinha segue o rastro deixado pelo anterior Le Fil(2005). Com ela, pensamos: o que pode a voz humana?

Music Hole é um playground sonoro, onde Camille experimenta com muito talento e sensibilidade a extensão de sua voz, muitas vezes sobrepostas, e com a colaboração de coros afinados. Os ousados arranjos vocais são privilegiados a ponto de alguns vezes você não perceber os instrumentos, quase sempre minimalistas e coadjuvantes nessa história toda.

Não é um disco fácil este, mas uma audição mais cuidadosa fará com que o ouvinte perceba toda a delícia do que é proposto pela artista, como um, desculpem o lugar comum, bom vinho que é degustado com vagar e muito prazer. Destaque para “Gospel with no Lords” na qual mistura sua língua pátria com o inglês, que aliás é a base do álbum; “Cats and Dogs”, onde ludicamente permeia uma bela melodia com sons imitando a bicharada, experimentalismo que lembra, em alguns momentos, a grande Kate Bush; e a linda “The Monk”, sem letra e que mostra todo o alcance vocal da cantora. Por tudo isso, só tenho que agradecer: valeu pela dica, queridíssima Leilane.

P.S.: Reparem Também no samba torto que é “Canards Sauvages”, que conta com a participação especial dos brasileiros do Barbatuques, que fazem som com batidas no próprio corpo.

Experimente e não desista na primeira audição:

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Cotação: 4

Acertos aos montes

Confesso que nunca tinha ouvido falar na banda The Black Keys e muito menos que eles já tinham quatro CDs nas costas antes de lançar este Attack & Release(2008). Até porque ela nunca foi apresentada oficialmente no Brasil e também porque sempre esteve correndo por fora dos "hypes" (olha a palavrinha chata de novo!) roqueiros, a exemplo dos estilos nu metal, emocore e electro-rock da vida entre outras “novidades”.

Não sei se nos álbuns anteriores, o duo Dan Auerbach(voz e guitarra) e Patrick Carney(bateria) exercitou a mesma levada de som retrô que os aproximam de Led Zeppelin e, lembrando nomes mais recentes, The Black Crowes e Kings of Leon. O fato é que, em Attack & Release, esses norte-americanos de Ohio fazem um rock-blues competente e de alta voltagem.

Essa competência se deve em parte ao vozeirão de Auerbach e sua guitarra afiada, ao acompanhamento afinado da bateria de Carney e, muito também, pelas composições bem sacadas. As músicas transitam pelos rockões básicos, como na fantástica “I Got Mine”, com um riff que remete a "Manic Depression", da lenda Jimi Hendrix, e na lenta e hipnótica “Psychotic Girl”, com um piano e coros pra lá de sensuais, ou enveredam pelo blues rasgado, como na linda “Lies” e pelo country sofisticado em “Remember When (Side A)”.

Tudo isso, me fez acreditar que Attack & Release e seus acertos é um dos grandes álbuns do ano até este maio. Para figurar no meu Top 10. Sem pestanejar.

Confira:

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Cotação: 5

Volta triunfal

A britânica e pouco conhecida no Brasil James sempre foi uma das minhas bandas preferidas. Isso desde meados dos anos 90 quando ouvi o fabuloso Laid(1993). E os caras de Manchester, que chegaram a abrir shows do The Smiths, tinham tudo para cair no gosto popular, caso a carreira não fosse marcada pela instabilidade dos álbuns lançados.

Quando ainda tentavam subir à tona e ganhar oxigênio no final da década passada, eles sucumbiram ao tentar tirar uma casquinha da onda eletrônica, patinando numa entressafra criativa, lançando o pífio Milionaires(1999) e o subestimado Pleased to Meet You(2001). A banda tirou umas longas férias, para voltar sete anos depois com o rejuvenescedor Hey Ma(2008).

Hey Ma, que causou polêmica por trazer na capa uma criança pronta para brincar com uma arma, é um retorno de James aos bons tempos de Laid. Eles trouxeram de volta melodias criativas, arranjos fortes e a variação sonora que pontuaram seus melhores momentos. “Bubbles”, por exemplo, com seu crescendo apoteótico pode figurar entre as melhores já feitas pelo grupo. “Hey Ma”, um pesado libelo contra a guerra chama atenção pelo refrão e seu coro majestoso. “Ei mãezinha, os garotos estão voltando pra casa em sacos e aos pedaços”, bombardeiam.

“Oh My Heart” é outra que revela uma banda inspiração, com uma grande melodia e a guitarra mais comportada fazendo o contraponto da bateria nervosa. Destaque também para “Of Monsters & Heroes & Men”, introduzida por cordas esquizofrênicas que ganha uma costura suntuosa de piano e trompete. Enfim, com Hey Ma, James volta para deixar claro que tem ainda muita lenha pra queimar. Sorte nossa.

Experimente sem medo:

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Cotação: 4

Saborosa despretensão

A despretensão é uma das grandes companheiras da fluidez, pelo menos no que diz respeito à música. Desencanados, os ingleses do The Wave Pictures chegam ao segundo álbum, Instant Coffee Baby(2008) com uma proposta clara e objetiva: tocar indie-pop com um jeitão vintage e sem frescura, privilegiando o instrumental básico: guitarra, baixo e bateria. E não fazem feio.

O despojamento de David Tattersall(voz e guitarra), Johnny Helm(bateria) e Franic Rozychi(baixo) rendem deliciosas canções, no sentido mais direto da palavra, com bons refrões e um apelo pop indiscutível. No terreno da criação situado entre The Smiths, Modern Lovers e Hefner, o power trio acerta na mosca na suingada “I Love you Like a Madman”, com direito a metais sinuosos, e nas bacanérrimas “Kiss Me” e “Cassius Clay”.

Vale reparar ainda no coro retrô da boa “Friday Night In Loughborough”, mas principalmente na guitarra vigorosa de Tattersall, que ganha generoso espaço em praticamente todas as composições, além da voz largada do mesmo, que chega a lembrar um pouco a de Brett Anderson, do inesquecível Suede. Os meninos de Leicertershire ainda vão dar o que falar. Agora, é só esperar a próxima jogada.

Anime-se:

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Cotação: 3